Ela vem aí: Courteney Cox confirma sua participação no novo “Pânico”

Courteney Cox é eternizada pelo seu papel de Monica Geller em "Friends", mas a atriz também é conhecida pelo seu papel na franquia "Pânico". Uma nova sequência está nos planos de ser lançada e Cox mandou avisar que ela irá reprisar o papel de Gale Weathers.

A confirmação foi feita pela própria atriz em seu Instagram, nesta sexta-feira (31), por meio da face que marcou a franquia com a frase "mal posso esperar para ver esse rosto novamente". A dúvida que fica é como será o seu retorno: se ela será um elemento fundamental para o longa-metragem ou terá uma participação mais curta. Importante ressaltar que "Pânico 5" está previsto para 2021, quando o primeiro filme completa 25 anos.

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Uma publicação compartilhada por Courteney Cox (@courteneycoxofficial) em 31 de Jul, 2020 às 10:03 PDT

Do elenco original, até o momento apenas Courteney está confirmada. Neve Campbell já disse que o convite foi feito pelos diretores Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett ("Ready or Not"), mas sua participação ainda é incerta. Na franquia, Campbell dá vida a protagonista Sidney Prescott.

Maior artista viva, Beyoncé celebra sua ancestralidade no já atemporal “Black Is King”

Quando Beyoncé lança um novo projeto, o mundo para. Não tem como passar despercebido por uma nova empreitada da maior artista viva. E assim, paramos no início dessa sexta-feira (31) pra assistir ao seu novo filme, “Black Is King”.

Criado, roteirizado, dirigido, produzido e atuado por Beyoncé, o longa funciona como um álbum visual para seu último lançamento oficial, o “The Lion King: The Gift”, trilha sonora feita pela artista para o remake de “O Rei Leão”, no qual dublou a personagem Nala. Assim, tal como no clássico da Disney, “Black Is King” reconta a história de um jovem rei que precisa se perder para, então, encontrar seu lugar no ciclo da vida.

Com visuais fantásticos, que vão de mansões à desertos, florestas à cidades, muita coreografia e figurinos que representam toda a tradição da história preta, Beyoncé explora a ancestralidade de seu povo, se conecta com suas origens e mostra toda a importância de entender, valorizar e amar suas raízes.

Em meio à essa imersão na cultura africana, destacamos alguns de nossos momentos favoritos do “Black Is King”: “Mood 4 Eva”, com Beyoncé e Jay-Z curtindo o melhor da vida em um casarão; “Water”, com a presença de Pharrell Williams cantando na frente de uma muralha de galões de água, em meio à um deserto; “Brown Skin Girl”, um dos momentos mais emocionantes do filme, com a presença de Naomi Campbell, Lupita Nyong’o e Kelly Rowland, além de Blue Ivy, filha de Beyoncé que canta na faixa; e, por fim, “My Power”, no qual Queen B mostra todo o seu poder ao apostar em uma das coreografias mais difíceis de sua carreira. 

Vida longa à Rainha (ou a patroa, como preferirem)!

Nova animação da Pixar, “Luca” celebra a amizade e chega aos cinemas em 2021

A Pixar se prepara lançar uma nova animação em 2021, após o sucesso de "Toy Story 4" e o ótimo "Dois Irmãos". Com direção de Enrico Casarosa, "Luca" acompanhará o personagem-título e seu melhor amigo, que esconde sua verdadeira identidade por ser um monstro do mar. A produção está prevista para junho de 2021.

Casarosa (via Variety) revelou que o longa-metragem possui uma história profundamente pessoal. "Não porque se passa em Riviera, na Itália, onde eu cresci, mas porque o ponto central deste filme é a celebração da amizade. Amizades de infância traçam o curso de quem queremos ser e essas relações são o coração de nossa história em 'Luca'", revelou.

Até o momento da publicação desta matéria, não há quaisquer outras informações acerca da produção além de sua premissa. "Luca" está marcado para o dia 18 de junho de 2021 e deve ser a primeira grande produção da Pixar pós-pandemia caso "Soul", previsto para novembro deste ano, não ser adiado novamente.

Foda demais! Drew Barrymore entrevista seu eu mirim em prévia de novo talk show

Drew Barrymore começou sua carreira ainda mirim e fez muito sucesso nos anos 2000 graças a "As Panteras", "Como se fosse a Primeira Vez" e também "Letra e Música". Aos 45 anos, ela deixará um pouco de lado a sétima arte para estrelar o seu próprio talk show, o "The Drew Barrymore Show", em 14 de setembro. Sua primeira prévia foi divulgada nesta quinta-feira (30) e traz a atriz entrevistando seu eu mirim.

Na prévia, Drew entrevista uma pequena Drew de sete anos. Os trechos de sua versão mirim foram retirados de uma entrevista concedida por ela para o "The Tonight Show Starring Johnny Carson", durante a promoção de "ET - O Extraterrestre", lá no início da década de 1980. A prévia foi divulgada com exclusividade para a Entertainment Weekly e pode ser conferida aqui.

O novo talk show será transmitido pela CBS e deve ser todo good vibes. Segundo o Entertainment Weekly, o show será "otimismo na TV, trazendo informações e entretenimento para audiências diurnas, celebrando todas as partes da humanidade ao longo do caminho". Parece um "The Ellen DeGeneres Show", né? Então o hit é certo.

Issa Rae e Jordan Peele vão produzir juntos “Sinkhole”, filme de ficção científica

Dois dos maiores nomes da cultura pop da atualidade, Issa Rae ("Insecure") e Jordan Peele ("Corra!") vão se juntar para produzir um filme de ficção científica que já merece sua atenção: "Sinkhole". Issa, além de produzir, também irá estrelar o longa-metragem. A informação foi divulgada nesta quarta-feira (29) pelo Deadline.

"Sinkhole" é baseado em um conto de Leyna Krow (é possível ler na íntegra, em inglês, aqui) e sua adaptação foi disputada por mais de 10 estúdios de cinema. No fim, o longa-metragem vai chegar pelo selo da Universal Pictures, entretanto não há qualquer previsão para o seu lançamento.

O último trabalho de Issa Rae é o excelente "Um Crime Para Dois", estrelado também por Kumail Nanjiani. Na trama, os personagens de Issa e Kumail estão em uma crise e resolvem se separar. Porém, a separação é deixada momentaneamente em segundo plano quando se envolvem em um assassinato e precisam correr atrás de sua inocência.

“Novos Mutantes” tira sarro de adiamentos e divulga primeiros minutos do filme

"Novos Mutantes" está dois anos atrasado. A produção dirigida por Josh Boone estava prevista para abril de 2018 e antes da pandemia do novo coronavírus a gente jurava que ia conseguir assistir em abril deste ano. Uma pena que não conseguimos, mas a Disney jura que iremos conseguir em agosto, data estipulada e reforçada durante a Comic-Con At Home, nesta quinta-feira (23).

O reforço da data aconteceu da forma mais bem humorada possível, logo no começo do painel do filme. Brincam com uma espécie de trailer reiniciando várias vezes, sempre com uma nova data, e ainda mostram comentários do público sobre o atraso. Perfeito.

Já no finalzinho do painel, o diretor presenteou os fãs com uma prévia dos minutos iniciais da produção. O início do filme acompanha a personagem de Blu Hunt (Danielle Moonstar/Miragem) até o momento em que é internada. Logo depois, um novo trailer é mostrado. É possível conferir no player acima a partir de 24:10.

O filme estava previsto para abril de 2018, mas foi adiado três vezes. O primeiro adiamento empurrou a produção para fevereiro de 2019 com a desculpa de que a Fox não queria chocar o lançamento com "Deadpool 2" em alguns mercados. A decisão era correta, mas não sabíamos o que estava por vir daí em diante.

• Bastidores: após diversos adiamentos, qual fim terá “Novos Mutantes”?

O segundo adiamento não teve muita justificativa. Na época, o ComicBook afirmou que o longa-metragem seria refilmado em quase 50% para a adição de uma nova personagem - que mais tarde descobrimos que poderia ser X-23. Já o próximo adiamento levou o filme para sua última data: abril de 2020, dois anos depois da data original.

Lista: 10 filmes com tramas que se passam em até 24h

Ah, o Cinema, que arte maravilhosa, não é mesmo? Capaz de nos levar para diferentes lugares, épocas e até realidades, a Sétima Arte é uma caixinha inesgotável que não conhece limites. Com histórias enormes que abocanham gerações, costumamos associar um filme com a captura de um longo período de tempo. Mas e aquelas que se passam durante um dia?

Talvez seja ainda mais difícil fazer um arco narrativo com começo, meio e fim quando a duração desse arco é de até 24h. O que pode acontecer de tão definitivo nesse meio tempo? Trouxe 10 filmes que mostram como absolutamente tudo pode mudar em apenas um dia.

O critério para a escolha foi, além da qualidade, claro, o fato do longa em questão ter sua trama desenvolvida em até 24h. São filmes do mundo inteiro, com diferentes abordagens, temáticas e técnicas de filmagem para darem vida ao dia em questão na tela. Nossa vida pode mudar num piscar de olhos, e é tão fascinante quanto assustador aceitar isso. Como sempre, todos os textos são livres de spoilers e prontos para te convencer a embarcar em cada um dos dias.

Direções (Posoki), 2017

Direção de Stephan Komandarev, Bulgária.
"Direções" faz com que o espectador entre no banco do carona de inúmeros taxistas durante um dia quando um motorista comete assassinato e suicídio por não conseguir pagar as taxas altíssimas do banco. O filme de Stephan Komandarev é um road movie búlgaro, porém, poderia estar nas ruas brasileiras: aquela noite é um espetáculo misantropo e entra nas veias urbanas com o intuito de fixar no globo ocular da plateia uma cidade cuja esperança já foi embora. De suásticas nazistas pichadas nas paredes à corrupção impregnada em cada um pelo sistema capitalista, "Direções" é uma irretocável obra-prima que extrai o que há de mais extraordinário no pessimismo artístico.

Tangerina (Tangerine), 2015

Direção de Sean Baker, EUA.
"Tangerina" vai na cola de uma prostituta e sua amiga - ambas interpretadas por atrizes trans -, que, ao descobrirem a traição do cafetão, saem em busca do traidor e sua amante. Qual o cerne do filme? A triste e estreita ligação entre a transsexualidade e a marginalização. É nada confortável encarar de frente os vários tópicos que a obra escancara sem vergonhas, porém, "Tangerina" é um filme sobre como a sororidade é peça indispensável para a sobrevivência de pessoas ainda varridas para debaixo do tapete. Longe de um trato plástico e artificial na tela, "Tangerina" vem como um sopro de ar livre ao dar voz, provocar e abordar uma realidade marginalizadora de forma crível, correta e socialmente relevante. E foi inteiramente filmado com celulares.

Victoria (idem), 2015

Direção de Sebastian Schipper, Alemanha.
"Victoria" é a definição do rolê que você pensa "deveria ter ficado em casa". A protagonista está em uma festa e conhece um cara, rapidamente criando uma forte ligação. Mas os amigos do rapaz devem sair para quitar uma dívida, arrastando Victoria junto. Esse filme alemão não apenas é uma corrida madrugada adentro como leva o título desta lista ao extremo pé da letra: é inteiramente filmado sem cortes, ou seja, o filme começa e termina exatamente como está na tela. E não se trata de falsos planos-sequência - como em "Birdman" ou "1917" -, a câmera é ligada e só desliga 138 minutos depois. Uma experiência pra lá de única.

Bom Comportamento (Good Time), 2015

Direção de Josh Safdie & Benny Safdie, EUA.
O filme que apagou de vez qualquer dúvida vampiresca do talento de Robert Pattinson enquanto ator, "Bom Comportamento" segue o protagonista fazendo um malsucedido assalto a banco e vendo seu irmão sendo preso. Ele corre contra o tempo para salvar a própria pele e tirar o irmão da cadeia antes que a polícia e outra gangue agarre seu pescoço. O “Depois das Horas” desse século, “Bom Comportamento” é um filme de amor bandido bastante sincero, que consegue compor personagens e situações para gerar a simpatia do público, mesmo com personas tão problemáticas. E possui os créditos finais mais bem valorizados dos últimos tempos.

A Última Parada (Fruitvale Station), 2013

Direção de Ryan Coogler, EUA.
O filme de estreia do futuro diretor de "Pantera Negra", "A Última Parada" é sobre o último dia de vida de Oscar Grant, homem negro assassinado pela polícia em 2009. A legitimação do porte de arma por meio dos integrantes das polícias o tornam "seres superiores", quase com permissão para matar. Um filme revoltante que mostra o abuso de poder pela polícia e como essa vã superioridade pode custar com a vida de muitos - e não se surpreenda caso a vida de George Floyd, que teve o mesmo destino de Grant, também vire filme.

4 Meses 3 Semanas e 2 Dias (4 Luni 3 Săptămâni și 2 Zile), 2007

Direção de Cristian Mungiu, Romênia.
No final da década de 80, no declínio do Comunismo romeno, uma estudante busca por um aborto, ilegal no país. Com a ajuda de uma amiga, ela conhece um médico clandestino apto para o procedimento, mas ele cobra muito mais do que o esperado quando descobre o real avanço da gravidez. "4 Meses 3 Semanas e 2 Dias", vencedor da Palma de Ouro no Festival de Cannes, é genial já pelo título, e, além de trazer um tema difícil e controverso, consegue ser um ato sobre como uma decisão pode impactar a vida de mais pessoas que gostaríamos. A protagonista tem apenas aquele dia para escolher qual será o rumo da sua vida dali para frente.

Clímax (Climax), 2018

Direção de Gaspar Noé, França/Bélgica.
"Clímax" não é uma produção recomendável, mas pelos motivos corretos: quando um grupo de dançarinos descobre que a bebida da festa foi batizada com LSD, o lado mais animalesco de cada um vem à superfície. Excluindo um rápido prólogo com entrevistas dos personagens, embarcamos na noite medonha dentro de um galpão que não garantirá a sobrevivência até a manhã seguinte. Esse é um filme que não só demanda como suga o emocional do público, tão massacrado quanto os personagens, presos em uma bolha ácida que não escolheram e nem podem escapar. E talvez seja a impotência - tanto nossa como deles - que faz "Clímax" tão bizarro.

Gravidade (Gravity), 2013

Direção de Alfonso Cuarón, EUA/Reino Unido.
Um dos filmes definitivos não apenas para o sub-gênero "cinema espacial", mas para toda a arte, "Gravidade" dispensa grandes apresentações. Quando um desastre acontece e deixa uma astronauta à deriva e sozinha na imensidão do cosmo, ela deve reaver toda a força e coragem para conseguir voltar à Terra. A montanha-russa intergalática de Afonso Cuarón (que lhe rendeu a primeira leva de Oscars) é uma experiência tão competente que houve quem jurasse que a fita havia de fato sido filmada no espaço. Não dá para julgar.

Os 8 Odiados (The Hateful Eight), 2015

Direção de Quentin Tarantino, EUA.
Todo lançamento de um filme do Tarantino é um verdadeiro evento, mas o parto de "Os 8 Odiados" foi mais complicado. O roteiro vazou em 2014, a produção foi cancelada até que o diretor mudou de ideia, reescreveu o roteiro e as filmagens começaram. Confinados num pensionato no meio de uma nevasca, Tarantino reconstrói a Guerra Civil americana para escancarar o racismo enraizado na sociedade, com, claro, muitos baldes de sangue, humor negro e performances brilhantes. Poderia, sim, ser um pouco mais curto (são mais de 3h), porém quando a marcha engata, temos uma loucura eufórica com boas doses de tensão e divertidas sacadas, além do usual domínio de cena de Tarantino, capaz de orquestrar grandes cenas num local e tempo restritos. O último bom filme do diretor - fãs de "Era Uma Vez em Hollywood" favor não tumultuar.

O Segredo da Cabana (The Cabin in the Woods), 2012

Direção de Drew Goddard, EUA.
Uma galera jovem vai aproveitar as férias em uma cabana na floresta, local que vai ser o túmulo de muitos. Saindo em um trailer pela manhã, o plano por trás da simples viagem é fazer com que ninguém veja a luz do sol no dia seguinte. Soa familiar? Sim, essa é uma premissa pra lá de conhecida, e é proposital. "O Segredo da Cabana" vai no que há de mais óbvio e clichê no terror norte-americano e, de forma sagaz, reinventa uma roda já há muito tempo gasta. Um terrir legítimo (terror + comédia), o filme enterrou essa história específica de maneira criativa, lúdica e que jamais deixa a bola cair, criando camadas cada vez mais eletrizantes. O clímax, uma enorme homenagem ao gênero, é sensacional.

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Jude Law está em negociações para viver Capitão Gancho em “Peter Pan & Wendy”

Jude Law deve se integrar ao elenco de "Peter Pan & Wendy", o mais novo live-action da Disney, como Capitão Gancho. Segundo a Variety, o ator já está em negociações com a Casa do Mickey para dar vida ao papel. Esta não seria a primeira vez que o ator viveria um vilão em um filme da Disney, visto que estrela "Capitã Marvel" como o vilão Yon-Rogg.

Até o momento, apenas os protagonistas Alexander Molony e Ever Anderson, filha de Milla Jovovich, foram confirmados como Peter e Wendy, respectivamente. O filme tem direção de David Lowery, responsável por "Meu Amigo, o Dragão". 

Lançado em 1953, "Peter Pan" é um dos maiores clássicos do mundo das animações e adapta a peça escrita pelo escocês James Matthew Barrie. Na trama, acompanhamos Peter, um garoto que não quer crescer. Um dia, Peter vai até a casa de Wendy e os irmãos, que embarcam em uma aventura mágica na Terra do Nunca.

Janelle Monáe revela desejo em dar vida a Tempestade no universo Marvel

Não se sabe como os mutantes irão ser introduzidos no Universo Cinematográfico Marvel (MCU), mas já temos uma forte candidata a dar vida a Ororo Munroe, a Tempestade dos X-Men. Em entrevista a Empire, nesta terça-feira (7), Janelle Monáe revelou que tem o sonho de interpretar a personagem nas telonas.

"Um dos meus sonhos sempre foi interpretar a Tempestade. Não sei se ela estará no [próximo] 'Pantera Negra', mas seria um sonho te-la. Não sei como eles estão com isso. Muitas mulheres interpretaram a Tempestade e fizeram um trabalho excepcional. Eu quero ser uma dessas artistas e fazer justiça a Tempestade".

Nos quadrinhos, além ser extremamente poderosa, a personagem também fez par romântico com o Pantera Negra. Por este motivo, muitos fãs clamam para que Ororo seja introduzida já nesta próxima sequência do filme estrelado por Chadwick Boseman. Após a fusão entre Fox e Disney, o acontecimento pode se tornar possível.

Interpretada por duas atrizes, a Tempestade nunca atingiu o seu verdadeiro potencial graças a roteiros que a inferiorizaram. Halle Berry foi a primeira a viver a personagem nas telonas na primeira trilogia dos X-Men. Já Alexandra Shipp deu vida a uma versão mais jovem da heroína em "X-Men: Apocalipse" e "X-Men: Fênix Negra".

Além de cantora, Monáe também é atriz. Entre os seus papeis de maior destaque estão Mary Jackson em "Estrelas Além do Tempo" e Teresa em "Moonlight: Sob a Luz do Luar". Ela também estreia ainda neste ano "A Escolhida".

Bastidores: rumores apontam Joss Whedon como abusivo no set de “Liga da Justiça”

A chegada de Joss Whedon no universo cinematográfico da DC foi recebida inicialmente como um grande trunfo para a quadrinista. Diretor de dois filmes do Vingadores, Whedon entrou como tentativa de direcionar o universo para um tom muito mais leve nas telas e também estava em negociações para encabeçar uma adaptação de "Batgirl". Entretanto, na última semana, rumores apontam que o queridinho do cinema de heróis abusa de seu poder em set de filmagens e possui comportamento machista.

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Tudo começou quando Ray Fisher, interprete do Ciborgue, por meio do Twitter, retirou elogios feitos ao diretor durante a San Diego Comic-Con 2017. Inicialmente, acreditava que sua fala era referente ao cuidado dado ao seu personagem no longa-metragem, mas não demorou muito para que o ator falasse o que realmente aconteceu.

Joss Wheadon’s on-set treatment of the cast and crew of Justice League was gross, abusive, unprofessional, and completely unacceptable.

He was enabled, in many ways, by Geoff Johns and Jon Berg.

Accountability>Entertainment

— Ray Fisher (@ray8fisher) July 1, 2020

Na última quarta-feira (1), Fisher utilizou novamente sua conta do Twitter para acusar Whedon de abuso de poder. Segundo o ator, o direto foi "nojento, abusivo, sem profissionalidade e completamente inaceitável". A denúncia ainda alegou que a conduta de Whedon no set tinha apoio de ninguém menos que o Presidente da DC Entertainment, Geoff Johns, e do produtor Jon Berg.

O próprio produtor, ainda na quarta, respondeu o comentário de Fisher e alegou que o ator teria ficado irritado ao solicitarem para que ele falasse "booyah" como o Ciborgue dos quadrinhos. Berg ainda disse que tudo dito por Fisher não passa de mentira.

I doubt we’ll ever get specifics from Ray Fisher re Joss Whedon, but here’s one I was the first to report:

Gal Gadot didn’t want to film this scene, so Whedon did it w/ a stunt double. That’s why you can’t see her face.#DC #DCEU pic.twitter.com/efliLlY2EW

— Grace Randolph (@GraceRandolph) July 1, 2020

Outro rumor sobre a conduta de Joss Whedon surgiu também na quarta-feira por meio da criadora do canal Beyond The Trailer. Grace Randolph revelou que o diretor teria forçado Gal Gadot a gravar a polêmica cena em que o Flash (Erza Miller) cai sobre Mulher-Maravilha. No fim, a atriz não aceitou gravar, o que resultou no uso de uma dublê de corpo - que explica porquê não vemos o rosto da atriz nessa cena.

Já o fotógrafo Jason Laboy acrescentou que Whedon ainda ameaçou a dublê caso ela não gravasse tal cena. Curiosamente, há uma cena similar em "Vingadores: Era de Ultron" em que Mark Ruffalo cai sobre Scarlet Johansson.

As cenas com Gadot e Johansson são extremamente machistas. Vale lembrar que Whedon possui um roteiro descartado para um filme da Mulher-Maravilha em que a personagem é objetificada. Em 2018, em entrevista a Variety, ele alegou que não achou qualquer problema em seu roteiro após lê-lo novamente.

As denúncias feitas pelo ator e YouTuber talvez ajudem a entender o porquê dos atores de "Liga da Justiça" quererem tanto que a versão de Zack Snyder seja lançada não somente em respeito a visão do diretor de "Homem de Aço", mas pela própria insatisfação por ter trabalhado com Joss Whedon. Até o momento, o diretor não se pronunciou sobre qualquer um dos rumores.

A versão de Zack Snyder vendo sendo pedida desde o lançamento de "Liga da Justiça", em 2017. Snyder, é claro, contribuiu para que os fãs ficassem com mais vontade de assistir sua versão ao publicar nas redes ideias que foram descartas da produção. Membros do elenco também haviam confirmado a existência do "Snyder Cut".

A produção de "Liga da Justiça" foi totalmente conturbada. Em meio as gravações, Joss Whedon foi chamado para reescrever algumas cenas pois o estúdio as achava sombria demais. Tudo piorou quando Snyder se afastou após a morte de sua filha, o que resultou com que Whedon assumisse a direção. O resultado foi um filme com dois tons totalmente diferentes e uma sensação de que muita coisa estava faltando.

DC e Warner devem anunciar dois filmes secretos em evento online

A DC e Warner se preparam para um grandioso evento online em agosto e parece que teremos o anúncio de dois filmes secretos. A novidade foi descoberta no próprio site do evento por fãs na última quarta-feira (1). Porém, é importante ressaltar que as produções anunciadas devem ser de filmes já especulados há algum tempo, como "Adão Negro", "Sereias de Gotham" e "Supergirl".

Uma das nossas apostas é "Sereias de Gotham", mesmo que "Aves de Rapina" não tenha sido um tremendo sucesso. Há rumores de que a Warner planeja um novo filme com a Arlequina de Margot Robbie e achamos que seja uma adaptação da HQ que une a vilã com Hera Venenosa e Mulher-Gato. 

Já "Supergirl" vem sendo especulado há algum tempo como forma de resgatar o universo dos kryptonianos. Zack Snyder, aliás, revelou que tinha planos para a heroína e não podemos esquecer de um possível easter egg da personagem em um dos primeiros trailers de "Liga da Justiça".

Outro filme que entre para a lista de especulados é "Adão Negro". Esse, na verdade, é quase certo que seja um dos longa-metragens secretos. Em junho, o próprio The Rock anunciou que a produção terá novidades no evento.

O DC Fandome, previsto para o dia 22 de agosto, será uma espécie de San Diego Comic-Con online, mas totalmente dedicada aos lançamentos da quadrinista do Superman. O evento promete novidades sobre todos os seus produtos audiovisuais, desde "The Flash", da CW, a ao Snyder Cut de "Liga da Justiça". Também deve rolar uma atenção especial para "Mulher-Maravilha 1984".

Os 10 melhores filmes de 2020 (até agora)

A melhor época do ano para o escritor que cá se encontra é a época de fazer as listas de melhores do mundinho cinematográfico no ano. Gasto horas catalogando tudo o que assisti até a marca temporal que quero fechar (seja a de metade do ano, ano inteiro ou da década), a fim de trazer a você, leitor, o que considero o suprassumo dos lançamentos (dentro da enorme cerquinha da subjetividade, é claro). Mas 2020 está sendo um ano diferente.

Com a pandemia, a indústria cinematográfica parou. Não há filmes em produção no momento, e os já finalizados foram adiados até que as salas de cinemas possam ser reabertas. O mercado brasileiro - ironicamente - acabou sofrendo menos com isso por receber filmes que já rodaram em outros países meses antes - vários do Oscar 2020, por exemplo, que estrearam internacionalmente em novembro e dezembro, só chegaram aqui após a virada da década. No entanto, mesmo com o fluxo de obras sendo drasticamente reduzido, ainda conseguimos assistir a filmes imperdíveis que salvaram nosso ano (e nossa quarentena). Aqui estão meus 10 longas favoritos de 2020 (até agora).

De indicados e vencedores do Oscar a pérolas de todos os cantos do mundo, os critérios de inclusão da lista são os mesmos de todo ano: filmes com estreias em solo brasileiro em 2020 - seja cinema, Netflix e afins - ou que chegaram na internet sem data de lançamento prevista, caso contrário, seria impossível montar uma lista coerente. E, também de praxe, todos os textos são livres de spoilers para não estragar sua experiência - mas caso você já tenha visto todos os 10, meu amor por você é real. Preparado para uma maratona do que há de melhor no cinema mundial até agora?

10. Queen & Slim (idem)

Direção de Melina Matsoukas, EUA.
"Queen & Slim" é um daqueles filmes corretos lançados no momento correto. Seguindo o casal protagonista, a vida dos dois é permanentemente afetada quando são parados com um policial branco, que - por basicamente nada - quase os mata. Em legítima defesa, Slim atira no policial, desencadeando uma fuga nacional enquanto protestos contra abusos raciais rolam pelo país. Estreia no Cinema de Melina Matsoukas, diretora de vários videoclipes, como "Formation" da Beyoncé, é bastante intrigante - e também triste - que "Queen & Slim" tenha sido lançado poucos meses antes de George Floyd perder a vida. Floyd não foi o primeiro (e, infelizmente, não deve ser o último) a passar pelo o que passou sob o poder de um sistema que não encontrou falhas ao longo do caminho, e sim foi construído para ser assim, o que faz de "Queen & Slim" um quadro e um aviso de uma sociedade claramente doente.

9. Nunca Raramente Às Vezes Sempre (Never Rarely Sometimes Always)

Direção de Eliza Hittman, EUA/Reino Unido.
O aborto é um dos temas mais controversos da nossa sociedade atual, encontrando discussões muito calorosas sobre os dois extremos do debate. "Nunca Raramente Às Vezes Sempre" é a carta-aberta de Eliza Hittman sobre a temática. Uma garota de 17 anos está grávida e, com a ajuda da melhor amiga, vai até Nova Iorque para realizar um aborto. A superfície do longa carrega características que, de maneira previsível, nos dará a ideia de irresponsabilidade por parte da garota, contudo, o roteiro nos empurra para um mergulho muito complexo que explica tudo o que ocasionou a protagonista estar ali. A cena que dá título ao filme já é uma das mais incríveis do ano pela veracidade e dor que o corpo feminino está sujeito nas mãos do patriarcado.

8. O Poço (El Hoyo)

Direção de Galder Gaztelu-Urrutia, Espanha.

"O Poço" talvez seja o filme mais badalado de 2020. Não por ser o mais assistido ou o melhor, mas por ter sido lançado em um terreno absurdamente fértil para fomentar suas discussões - e foram inúmeras ao longo das semanas após a Netflix jogar a obra em seu catálogo. Conhecemos uma prisão vertical que tem uma curiosa (e cruel) forma de alimentar seus detentos: através de um poço, onde o andar de baixo comerá o que sobrou do andar de cima. As discussões de “O Poço” soam óbvias – é só você ler a sinopse que a fundamentação central da fita estará presente. Sim, esse é um filme que quer mostrar como a estruturação do Capitalismo é falha, desumana e cruel – e provavelmente você, proletariado, já sabe disso. “O Poço” é uma alegoria brilhantemente terrível da natureza humana que gera indagações ao mesmo tempo que executa um trabalho de gênero delicioso.

7. E Então Nós Dançamos (And Then We Danced)

Direção de Levan Akin, Geórgia/Suíça.
A melhor fita LGBT do ano até o momento, "E Então Nós Dançamos" vem de um país que você talvez nem saiba onde se encontra: a Geórgia, um pequeno país na divisa entre a Europa e a Ásia. Com um cinema ainda proporcional ao tamanho do país, não se engane, a Geórgia é dona de filmes fantásticos, e "E Então Nós Dançamos" foi o selecionado ao Oscar 2020. Um dançarino vai ter que escolher entre aceitar sua sexualidade em um país sufocantemente homofóbico ou viver uma mentira assim que outro dançarino chega em sua escola. A dança georgiana, presente em todo o filme, é usada como catalizador desse amor proibido que termina, também, como um belíssimo documento cultural - e, sem surpresa, foi recebido com protestos pedindo o cancelamento das sessões. No entanto, o filme foi lançado, uma vitória para a resistência LGBT.

6. Devorar (Swallow)

Direção de Carlo Mirabella-Davis, EUA.
Esse pequeno horror indie causou desde a estreia no Festival de Tribeca ano passado, e, ainda bem, não ficou apenas no shock value: uma jovem e recém-casada mulher tem dificuldade em manter o casamento e a vida doméstica. Afogada em tédio e distanciamento emocional, ela descobre que está grávida, fato que desencadeia um transtorno que a faz engolir os mais diferentes objetos. "Devorar" recebeu uma embalagem colorida, harmônica e deliciosa, um contraste perfeito para toda a carga obscura de sua trama. Carregado pela atuação exemplar de Haley Bennett, o filme é uma mistura de "Grave" (2016) com "O Bebê de Rosemary" (1968), transformando o drama de sua protagonista em potência do horror. Bon appétit, baby.

5. Viveiro (Vivarium)

Direção de Lorcan Finnegan, Irlanda.
Todo ano precisamos de pelo menos um longa que seja a definição de "amei, mas não entendi", e "Viveiro" é o nome perfeito para isso. Quando um casal visita um conjunto habitacional em busca de um imóvel e fica preso nas ruas com casas totalmente iguais, rapidamente percebem que foi sua última decisão na vida. Estamos vivenciando uma fase interessante na mistura de horror e ficção científica, casando criatividade com as colunas dos dois gêneros: atmosfera e reflexão. "Viveiro" sem dúvidas não é um longa para qualquer paladar: é uma fita lenta, estranha, sufocante e que não vai entregar seus segredos de mão beijada. Sua beleza imagética esconde toda sua bizarrice com uma estética que passeia por "Edward Mãos de Tesoura" (1990) e "O Show de Truman" (1998), e transforma a casa própria, uma das mais desejadas paisagens, em um verdadeiro labirinto em que cada esquina é um pesadelo.

4. Joias Brutas (Uncut Gems)

Direção de Josh Safdie & Benny Safdie, EUA.
Adam Sandler é um ícone do cinema norte-americano, mas pelos motivos errados. Ele já possui nada mais nada menos que NOVE Framboesas de Ouro (que premia o que há de pior no Cinema), inclusive sendo o detentor do recorde de maior número de prêmios em uma noite: "Cada Um Tem a Gêmea Que Merece" (2011) foi indicado a sete Framboesas e ganhou todas. Todavia, Hollywood adora ver um nome falido encontrando o Olimpo com alguma fita, e Sandler encontrou com "Joias Brutas". Os diretores, os irmãos Josh e Benny Safdie, adoram pegar atores considerados ruins e transformarem em donos de prêmios - como Robert Pattinson com "Bom Comportamento" (2017) -, e o Olimpo de Sandler foi fabuloso: dono de uma joalheria, ele é viciado em jogos de azar e vai levar a vida de todo mundo ao redor numa montanha-russa eletrizante, marca dos irmãos Safdie. "Joias Brutas" é um estudo de personagem raro e imperdível que entrega muito mais que um ator ruim conseguindo quebrar o estigma.

3. O Chalé (The Lodge)

Direção de Veronika Franz & Severin Fiala, Reino Unido/EUA.
O segundo filme da dupla austríaca que nos presenteou o clássico moderno "Boa Noite Mamãe" (2014), "O Chalé" satisfará o paladar de quem gosta do tipo de terror do primeiro. Duas crianças perdem a mãe quando ela se suicida depois de um ex-marido começar a namorar uma mulher nova. O pai tenta (com insistência) aproximar os filhos da namorada, que possui um passado macabro e, segundo a prole, possui algo de muito errado. Eles ficam presos em uma cabana, e situações inexplicáveis desafiam a sanidade de todos. "O Chalé" nada contra a maré do modelo atual de cinema de terror, acomodado em berrar sustos, e edifica sua atmosfera com muito cuidado, trabalhando com sugestões e temáticas geralmente tratadas com pobreza. A religião católica já perdeu as contas de quantos filmes a tomam como ethos de maneira preguiçosa, sem agarrar o quão assustador pode ser quando roteirizada da maneira certa, e "O Chalé" é um desses exemplos de sucesso, ainda mais louvável quando não possui uma trama sobrenatural, bengala batida e saturada dentro do gênero.

2. Os Miseráveis (Les Misérables)

Direção de Ladj Ly, França.
O vencedor do Prêmio do Júri no Festival de Cannes 2019 ao lado da obra-prima tupiniquim "Bacurau" (2019), "Os Miseráveis" é mais um filme a analisar a brutalidade da polícia (majoritariamente contra pessoas negras), tendo a França depois da vitória na Copa do Mundo 2018 como palco principal. Indicado ao Oscar 2020 de "Melhor Filme Internacional", o filme possui vários polos que se chocarão da mesma forma como os diferentes contextos culturais do caldeirão que é Paris, tendo um policial que atira em uma criança negra como estopim de uma revolta. É um daqueles filmes enormes, que não terminam com o rolar dos créditos, permanecendo com o espectador por muito tempo ao pôr no ecrã tantos debates pertinentes e atuais.

1. 1917 (idem)

Direção de Sam Mendes, Reino Unido.
Filme de guerra chegando em premiações, alguém ainda aguenta isso? "1917" teve o trabalho inicial de conseguir conquistar um público cansado de um molde bélico feito para arrepiar a epiderme de premiações, e o resultado é (quase) irretocável - não por acaso ganhou três Oscars e sete BAFTAs. Com foco na Primeira Guerra Mundial, o trabalho segue dois soldados que são mandados em uma missão a fim de evitar um combate ainda maior e mais trágico. Filmado com a técnica de plano sequência - como se não houvesse cortes -, "1917" possui a consciência de que toda a fotografia, som, direção de arte e qualquer elemento técnico não sustenta uma arte que é, primordialmente, o ato de contar uma história. Os pequenos tropeços são ínfimos em meio à experiência visual e sensorial que imerge o espectador nos horrores e nas glórias desse período, sendo um daqueles filmes que nos recorda o quão impressionante e indispensável é a Sétima Arte. Nenhuma outra mídia seria capaz de causar o mesmo impacto.

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Isso é tudo o que sabemos sobre o “Black Is King”, o novo projeto da Beyoncé

Beyoncé está de volta com nada mais, nada menos do que um filme escrito, dirigido e produzido por ela mesma. “Black Is King”, seu novo projeto anunciado neste sábado (28), chega no dia 31 de julho ao Disney+.

De acordo com a Variety, o “Black Is King” vai funcionar como um registro visual do disco “The Gift”, álbum criado por Beyoncé para o remake de “O Rei Leão”, lançado no ano passado.

Em comunicado enviado à imprensa, a Disney e a Parkwood Entertainment, empresa de Beyoncé, contam que o álbum visual surgiu como uma forma de “reimaginar as lições de ‘O Rei Leão’”. Assim, o filme de Bey vai contar a história de um jovem rei africano que conta com a ajuda de seus ancestrais, os ensinamentos de seu pai e os conselhos de seu amor de infância para encontrar seu destino e assumir o trono. Simba ficaria orgulhoso! 

Sempre muito sucinta nas redes sociais, Beyoncé mostrou que o projeto é muito importante para ela ao fazer um texto no Instagram explicando um pouquinho mais sobre o conceito e processo de criação do filme. 

Ver essa foto no Instagram

I typically keep comments short and sweet, but I just watched the trailer with my family and I’m excited. 🎶please don’t get me hype🎶🤪 “Black Is King” is a labor of love. It is my passion project that I have been filming, researching and editing day and night for the past year. I’ve given it my all and now it’s yours. It was originally filmed as a companion piece to “The Lion King: The Gift” soundtrack and meant to celebrate the breadth and beauty of Black ancestry. I could never have imagined that a year later, all the hard work that went into this production would serve a greater purpose. The events of 2020 have made the film’s vision and message even more relevant, as people across the world embark on a historic journey. We are all in search of safety and light. Many of us want change. I believe that when Black people tell our own stories, we can shift the axis of the world and tell our REAL history of generational wealth and richness of soul that are not told in our history books. With this visual album, I wanted to present elements of Black history and African tradition, with a modern twist and a universal message, and what it truly means to find your self-identity and build a legacy. I spent a lot of time exploring and absorbing the lessons of past generations and the rich history of different African customs. While working on this film, there were moments where I’ve felt overwhelmed, like many others on my creative team, but it was important to create a film that instills pride and knowledge. I only hope that from watching, you leave feeling inspired to continue building a legacy that impacts the world in an immeasurable way. I pray that everyone sees the beauty and resilience of our people. This is a story of how the people left MOST BROKEN have EXTRAORDINARY gifts.❤️✊🏾 Thank you to Blitz, Emmanuel, Ibra, Jenn, Pierre, Dikayl, Kwasi and all the brilliant creatives. Thank you to all at Disney for giving this Black woman the opportunity to tell this story. This experience has been an affirmation of a grander purpose. My only goal is that you watch it with your family and that it gives you pride. Love y’all, B

Uma publicação compartilhada por Beyoncé (@beyonce) em 28 de Jun, 2020 às 8:06 PDT

Confira a tradução: 

“Eu normalmente mantenho meus comentários curtos e doces, mas acabei de assistir ao trailer com a minha família e estou animada. “Please don't get me hype”. “Black Is King” é um trabalho feito de amor. É o meu projeto do coração que eu tenho filmado, pesquisado e editado dia e noite pelo último ano. Eu dei a ele tudo de mim e agora é de vocês. Foi originalmente filmado como uma peça de acompanhamento para o disco de trilha sonora “The Lion King: The Gift” para celebrar a amplitude e a beleza da ascendência preta. Eu nunca poderia imaginar que, um ano depois, todo o trabalho duro colocado nesta produção serviria a um propósito maior. 

Os acontecimentos de 2020 fizeram a visão e mensagem deste filme ainda mais relevante, enquanto pessoas ao redor do mundo embarcam em uma jornada histórica. Estamos todos buscando segurança e luz. Muitos de nós querem mudanças. Eu acredito que quando pessoas pretas contam nossas próprias histórias, podemos mudar o eixo do mundo e contar a nossa história REAL de riqueza geracional e riqueza de alma que não é contada nos nossos livros de história. 

Com esse álbum visual, eu quis apresentar elementos da história preta e tradição africana, com um toque moderno e uma mensagem universal, e o que realmente significa encontrar sua própria identidade e construir um legado. 

Eu passei muito tempo explorando e absorvendo lições de gerações passadas e da rica história das diferentes vestimentas africanas. Enquanto trabalhava neste filme, houve momentos em que me senti sobrecarregada, como muitos em meu time criativo, mas foi importante criar um filme que incutisse orgulho e conhecimento. 

Eu apenas espero que, ao assisti-lo, vocês fiquem inspirados a continuar construindo um legado que impacte o mundo de uma forma imensurável. Eu rezo para que todos vejam a beleza e a resiliência do nosso povo. 

Essa é uma história sobre como as pessoas MAIS QUEBRADAS têm dons EXTRAORDINÁRIOS”. 

Por enquanto, ainda não sabemos como nós brasileiros poderemos assistir ao “Black Is King”, já que a plataforma de streaming Disney+ ainda não chegou ao nosso país e deve estrear somente no final do ano. Por aqui, o Prime Video tem sido responsável por transmitir alguns conteúdos da Disney. Quem sabe eles não trazem esse presentinho pro Brasil? Poxa, Amazon, nunca te pedimos nada!

Já que ainda não temos o filme, vamos aquecendo ouvindo o “The Gift” enquanto torcemos para que o  “Black Is King” faça com que o disco seja mais apreciado, afinal, “Brown Skin Girl”, “Water” e  “Mood 4 Eva” merecem muito serem hits.

O que não reluz muitas vezes também é ouro: a versátil carreira de Daniel Brühl estampa o brilhantismo do ator

A indústria do cinema, apesar de ter seus queridinhos e nomes já bastante aclamados, constantemente se renova, solidificando o nome de artistas que antes não eram tão conhecidos ou incorporando novos talentos às grandes produções. Tanto os ramos de direção e roteiro quanto os de produção e, especialmente, de atuação, são revigorados com a chegada de novos rostos.

Entretanto, “caras novas” nem sempre são sinônimo de inexperiência e tampouco se referem a pessoas que acabaram de entrar na área. Na indústria do cinema, muitas vezes os “novatos” são artistas originais que já vinham desenvolvendo um trabalho consistente e de qualidade, mas que ainda não haviam criado nome. Quando aparecem aos olhos do grande público e da mídia mais mainstream, estão apenas tendo sua relevância reconhecida e colhendo os frutos que sem alarde vinham plantando. Parece ser esse o caso de Daniel Brühl, ator com currículo pleno de atuações impecáveis e que vem conseguindo maior visibilidade nos últimos tempos.

Cosmopolita, Brühl nasceu na Espanha e cresceu na Alemanha, onde iniciou sua carreira de ator

Nascido em Barcelona em 1978, Daniel cresceu em Colônia, na Alemanha, e sua relação com o cinema vem de casa, visto que seu pai, Hanno Brühl – brasileiro de ascendência alemã –, era diretor de TV. O cosmopolita ator, que é também poliglota – Daniel fala inglês, alemão, espanhol, francês e ainda entende português e catalão –, iniciou sua carreira em 1995, atuando em uma novela alemã. Foi apenas em 2003, entretanto, que Brühl começou a receber um pouco mais de atenção da crítica especializada. Ainda que antes disso já tivesse trabalhado em filmes como Deeply: O Segredo, em que contracenou com Kirsten Dunst, foi seu papel no extraordinário Adeus, Lênin!, dirigido por Wolfgang Becker, que deu início à sua jornada rumo a Hollywood. A trama que conta a história de uma família que vive na Alemanha Oriental aos fins dos anos 1980 e cujas vivências se entrelaçam à história mundial, culminando com a queda do Muro de Berlim e o fim da Guerra Fria, rendeu prêmios ao ator e foi um ponto alto na sua carreira, que, a partir de então, deslanchou – ainda que não necessariamente para o mainstream.

Em 2004 foi lançado The Edukators (Os Edukadores, em português), em que Brühl interpretou o papel de um ativista anticapitalismo envolvido em um triângulo amoroso. O longa, aclamado tanto pela crítica quanto pela audiência, tem como ponto central um grupo de três amigos que invadem casas de pessoas da classe alta da sociedade, rearranjam a mobília e deixam uma nota se identificando como “Edukators”. Além de ter angariado prêmios e nomeações, o filme arrecadou cerca de US$ 8 milhões em bilheteria e recebeu o status de cult, chegando, inclusive, a ser adaptado para os palcos brasileiros, como lembra o portal G1. Poucos anos depois, Daniel estrelou também filmes como Salvador, em que interpretou um anarquista espanhol vivendo na Espanha Franquista, e 2 Dias em Paris, produção franco-alemã com roteiro e direção de Julie Delpy, a eterna Céline da trilogia de Antes do Amanhecer.

Após atuação em filme de Tarantino, a estrada se abriu ainda mais

No entanto, o ano de virada definitiva na carreira do ator foi 2009, quando sua apresentação ao grande público se deu por meio das mãos de ninguém menos do que Quentin Tarantino, que o escalou para fazer parte do elenco de Bastardos Inglórios. Atuando ao lado de Brad Pitt, que também foi dirigido por Tarantino em seu último longa, Era uma Vez em... Hollywood, Brühl interpretou um fuzileiro de elite alemão que funciona como o ponto de virada da trama. Daí para frente se seguiram diversas outras produções envolvendo Daniel no elenco, com destaque para Capitão América: Guerra Civil, uma produção da Marvel Studios que foi dirigida pelos irmãos Russo e lançada em 2016. Contracenando ao lado de atores como Robert Downey Jr. e Scarlett Johansson, Brühl interpretou o vilão Helmut Zemo. O longa arrecadou mais de US$ 1,1 bilhão em bilheteria mundial.

Dentre outros títulos lançados de 2009 até hoje, destacam-se também Rush – No Limite da Emoção, em que Daniel levou às telas, nas palavras do portal Omelete, uma intensa interpretação do piloto de Fórmula 1 Niki Lauda, e Tirando a Sorte Grande (lançado em 2019). O enredo deste último é focado na família Pelayo e em sua maestria nas mesas de roleta que, além de ter variadas versões, como a Europeia e a Americana, atrai jogadores diversos por conta de sua simplicidade, como comentado no site de roleta online da Betway. Foi justamente essa simplicidade que permitiu a Gonzalo García-Pelayo, o pai da família Pelayo, a realizar observações profícuas quanto aos jogos de roleta e a concluir que cada roda é única no sentido de que que a bolinha é mais propensa a cair em determinados números do que em outros. Essa probabilidade poderia ser verificada ao se observar por algum tempo como uma roda específica se comporta, e foi isso que Gonzalo e sua família fizeram.

O Zoológico de Varsóvia é outro dos longas-metragens estrelados pelo ator que vale a pena conferir. Lançado em 2017, o enredo tem como base o livro homônimo de Diane Ackerman, que conta a história real do casal Jan e Antonia Żabińska. Responsáveis pelo Zoológico de Varsóvia, eles passam a abrigar no local famílias judias que estão fugindo dos nazistas. Daniel Brühl interpreta o zoólogo Lutz Heck, membro do Partido Nazista. Bons comentários a respeito do filme foram tecidos tanto pela crítica especializada quanto pelos espectadores. Este ano, teremos a chance de ver Daniel atuar em duas outras produções: Kingsman: O Grande Jogo e Falcão e o Soldado Invernal, série que, de acordo com o portal Observatório de Séries, tem a canadense Kari Skogland na direção.

Como se vê, a carreira de Brühl é bastante versátil tanto em termos de estilos de personagens já interpretados quanto em relação à nacionalidade dos filmes que já estrelou e aos idiomas em que já atuou. Com uma história de vida interessante e multicultural, o ator parece transpor para as telonas os sentimentos que suas experiências como ser humano já lhe trouxeram. E o faz com grande maestria e brilhantismo, provando que, mais do que atingir grande fama, o importante é desempenhar seu trabalho com amor e dedicação.

Versão de Zack Snyder para “Liga da Justiça” ganha teaser focado na Mulher-Maravilha

Após ser anunciado no final de maio, a versão de Zack Snyder para "Liga da Justiça" ganhou nesta quinta-feira (18) o seu primeiro teaser, focado na Mulher-Maravilha (Gal Gadot). A produção está prevista pela 2021 no HBO Max, o serviço de streaming da Warner.


Conforme o teaser aponta, Mulher-Maravilha deve ser peça fundamental para esta versão, visto que ela está investigando sobre o Darkseid, que inclusive aparece no final. Rumores antigos apontavam para uma maior importância da heroína na versão que nunca foi lançada. Snyder, aliás, revelou no ano passado que era ela quem matava o Lobo da Estepe, vilão do filme.

A versão vendo sendo pedida desde o lançamento de "Liga da Justiça", em 2017. Snyder, é claro, contribuiu para que os fãs ficassem com mais vontade de assistir sua versão ao publicar nas redes ideias que foram descartas da produção. Membros do elenco também haviam confirmado a existência do "Snyder Cut".

A produção de "Liga da Justiça" foi totalmente conturbada. Em meio as gravações, Joss Whedon foi chamado para reescrever algumas cenas pois o estúdio as achava sombria demais. Tudo piorou quando Snyder se afastou após a morte de sua filha, o que resultou com que Whedon assumisse a direção. O resultado foi um filme com dois tons totalmente diferentes e uma sensação de que muita coisa estava faltando.

Crítica: “A Assistente” traz uma ótica importante para o assédio no trabalho

Julia Garner tem apenas 26 anos, mas já se encontra no caminho perfeito para cair nas graças de Hollywood. A garota já possui um Emmy - de "Melhor Atriz Coadjuvante" pela série "Ozark" (2017-) - começou a carreira liderando dramas indies - como "Everything Beautiful Is Far Away" (2017) e o delicioso "A Fita Azul" (2012), além da ponta no clássico adolescente "As Vantagens de Ser Invisível" (2012). Ela agora retorna em mais um protagonismo que mostra todo o seu talento.

Ela é Jane em "A Assistente" (The Assistant"), estreia da diretora, roteirista e produtora Kitty Green no cinema de ficção. A australiana é conhecida pelos seus documentários, e o estilo jamais foge da tela do seu novo longa. Jane é a assistente do título, trabalhando em uma produtora de filmes. Ela é a primeira a chegar - quando o sol ainda nem apareceu - e a última a sair. Com sua mesa exatamente ao lado do escritório principal, ela é incumbida de fazer absolutamente tudo o que aparecer por lá.

A película segue exatamente um dia na vida de Jane. De tirar xérox de documentos a pegar comida e lavar a louça, Jane faz o que ninguém mais quer fazer. Em um local majoritariamente ocupado por homens, ela pode até ser chamada de "empregada" do lugar pelo leque sem coesão de atividades. O que mandarem, ela faz.

Enquanto limpava o escritório do chefe - um personagem que em momento nenhum aparece na tela -, ela encontra um brinco, e fica claro para o espectador que o ocorrido não é surpresa para a protagonista. Ela sabe que o chefe leva mulheres até lá para encontros sexuais, e sobra para Jane ter que lidar com a esposa do patrão, afinal, ninguém mais quer segurar esse abacaxi. A obra encontra muito sucesso ao ser capaz de falar apenas com imagens, com gestos e olhares de seus personagens.

Os encontros privados do chefe são de conhecimento geral. Até mesmo piadas são feitas sobre isso, como no momento em que um personagem se senta no sofá da sala presidencial e alguém fala, com gracejo, "Não sente jamais nesse sofá". Todos ao redor caem na gargalhada, menos Jane. Mesmo estando lá por apenas cinco semanas, ela já está ciente da conivência de todos com o que se passa por trás daquelas portas.

Apesar de que, sim, isso seria um embaraço, de início não fica muito explícito o motivo pelo qual Jane se demonstra tão desconcertada pelas traições do chefe. A resposta não demora: uma jovem (e bela) garçonete chega do interior para trabalhar como secretária no piso principal. Como alguém tão nova e sem a menor experiência já foi escalada para um trabalho tão importante? Na ida até o hotel - reservado pelo chefe para a garota -, ela revela a Jane que conheceu o patrão no restaurante que trabalhava, e aí estava a chave para todo o mistério. Ela foi contratada para ser aliciada, e parecia não ter a menor noção do que aconteceria.

O chefe não estava meramente pulando a cerca, ele usava seu status para conseguir sexo de jovens e vulneráveis mulheres que aspiravam subir na carreira. E Jane, que não queria perder o emprego, era conivente de maneira obrigada. Ela abaixava a cabeça para não ser demitida, mesmo com os telefonemas agressivos do patrão - que resultavam em humilhantes pedidos de desculpas da assistente.

Querendo por um fim na situação, Jane vai até o Recursos Humanos da empresa. Ela, completamente envergonhada, mal consegue formular frases com sentido, todavia, a mensagem é bem clara para o gestor. A opressão de todo o sistema grita ainda mais quando o gestor passa a impressão de que já sabia de tudo e que fará nada para ajudar, ameaçando o emprego de Jane. Ela vai embora da sala sem prestar a queixa, só para ser mais uma vez repreendida aos berros pelo patrão, que foi informado pelo RH.

A câmera da fita quase nunca deixa o rosto de Jane, e Julia Garner acrescenta mais uma performance incrível em seu currículo. O roteiro de Green auxilia e muito na sensação de que a protagonista é engolida pelo trabalho, seja nas cenas em que ela abdica de sua vida pessoal ou nas sequências em que vemos outras pessoas passando ao lado de Jane sem nem ao menos notá-la. Ali, ela era invisível, e deveria ser. O gestor de RH até solta: ela não deveria se preocupar porque não fazia o tipo do patrão. Grande alívio.

Possuindo apenas 85 minutos, uma obra relativamente curta, o ritmo do filme deveria ser mais dinâmico, porém, Green derrama seu estilo anterior e filma aquele dia de Jane de forma documental, indo nos mais irrisórios momentos da sua jornada. É quase hercúleo fugir da morosidade da narrativa em alguns momentos, que acaba caindo na chatice e na impressão de que o filme poderia ser muito mais, não nego, no entanto, tudo é trabalhado para que sintamos da maneira mais cristalina o que Jane sente convivendo com aquelas pessoas e aqueles desafios.

As engrenagens que fazem "A Assistente" andar são bem claras: o longa é mais um reforço da arte na solidificação da importância do movimento "Me Too", que denuncia o assédio na indústria do entretenimento - outro exemplo é o vencedor do Oscar "O Escândalo" (2019). Vemos por meio de Jane, carregada por uma atuação sensacional de Julia Garner, como já existe uma roda bastante delimitava e preparada para silenciar toda e qualquer mulher envolvida nas artimanhas que evocam os comportamentos predatórios dos homens em posição de poder. Mesmo não conseguindo parar essa roda, a protagonista é a ponta de um iceberg de sororidade que precisa vir à superfície assim como as portas que escondem assédios precisam ser abertas. Mas o que esperar de uma empresa que não contrata sequer uma pessoa preta?

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