Análise: o Globo de Ouro 2020 nos mostra que Hollywood ainda não engole a Netflix

A 77ª edição do Globo de Ouro aconteceu na noite do último domingo (6) e abriu oficialmente a temporada de premiações televisivas em Hollywood, que consiste em cinco grandes noites: o Globo, o Critics' Choice, o Satellite, o BAFTA e, claro, o Oscar, o maior e último da temporada. Precisamos entender alguns pontos.

Ainda há uma grande impressão que o Globo de Ouro é um termômetro definitivo para o Oscar, o que não é bem verdade. Já começa pelo fato de que as duas premiações são realizadas por organizações diferentes: enquanto o Globo é feito pela Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood, o Oscar é realizado pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas. Enquanto a primeira possui 90 membros - jornalistas do mundo inteiro -, a Academia tem mais de 6 mil.

Outro motivo para diminuirmos a ideia de "termômetro" é o posicionamento das premiações no calendário. O Globo é realizado enquanto nem ao menos os indicados ao Oscar foram divulgados, ou seja, eles já premiam seus favoritos antes mesmo do Oscar dizer quem vai para sua corrida. Se olharmos para essa década, cinco vencedores do Oscar de "Melhor Filme" perderam uma das três categorias principais no Globo ("Melhor Filme Drama", "Comédia" ou "Estrangeiro"), ou seja, a metade: "A Forma da Água" em 2018, "Spotlight" em 2016, "Birdman" em 2015, "O Discurso do Rei" em 2011 e "Guerra Ao Terror" em 2010.

Pois bem. Entre tantas divergências, há uma semelhança que o Globo de Ouro 2020 deixou gritante: Hollywood não está interessada em premiar a Netflix. Na temporada de 2019, o grande favorito ao Oscar de "Melhor Filme" era "Roma". O filme de Alfonso Cuarón estava sendo amplamente celebrado na indústria, mesmo sendo em língua não-inglesa, e todos apontavam como o primeiro filme estrangeiro a vencer a maior categoria na história.............mas veio a premiação e quem levou foi "Geen Book: O Guia". Qual seria o maior motivo para isso? "Roma" é da Netflix.

A atual temporada, curiosamente, possui vários filmes da plataforma como grandes candidatos ao careca mais cobiçado do mundo, como o próprio Globo nos mostrou. Dos 10 indicados a "Melhor Filme", quatro eram da Netflix - com três deles na categoria de "Drama". Com 40% de chances de vitória, com outros estúdios dividindo as outras posições, tudo levava a uma estatueta na estante da produtora, porém, como a imagem abaixo revela, a Associação de Imprensa Estrangeira de Hollywood deixou claro seu posicionamento.

Todos os quatro filmes da Netflix foram chutados. É verdade que "Meu Nome é Dolemite" não era, nem de perto, o favorito em "Comédia", que não surpreendeu ao dar para "Era Uma Vez em Hollywood", contudo, foi um choque "1917" levando em "Drama". Entre os cinco indicados, o filme de guerra de Sam Mendes era o menos cotado, ficando muitíssimo atrás de "Dois Papas", "História de Um Casamento" e, principalmente, "O Irlandês", a maior aposta da noite.

A zebra foi tão grande que "O Irlandês" levou o montante de ZERO prêmios, algo que ninguém esperava. Ao todo, a Netflix conseguiu apenas uma categoria em Cinema, "Melhor Atriz Coadjuvante" para Laura Dern em "História de Um Casamento" - e nem é necessário discorrer sobre como um prêmio em 17 indicações (com favoritismos) é um alerta.

A escolha do Globo, de abertamente esnobar a Netflix, é um desejo em preparar o terreno dentro da indústria para as próximas premiações - o que nem sempre dá certo, como no caso de 2017 quando "La La Land" levou TODAS as sete categorias indicadas e perdeu o Oscar de "Melhor Filme". O que a organização quer dizer para o que vem em seguida é: "Temos escolhas que não sejam da Netflix". "1917" levando "Melhor Filme Drama" e "Melhor Direção" (outro choque que até mesmo o diretor não acreditou) é um apelo para colocar o filme em posição de destaque, a fim de diminuir o peso dos selecionados pela Netflix.

Mas, afinal, por que há tanta resistência à plataforma? Para um filme ser elegível às premiações, ele deve estrear por, no mínimo, uma semana em solo norte-americano (em Los Angeles de preferência, pois a maioria dos votantes está lá). A Netflix costumava lançar seus longas diretamente no catálogo em stream, mas, com a visibilidade de "Roma", passou a mudar o jogo. Em 2019, indo atrás das grandes redes de cinema do país, fez uma proposta de até um mês de exclusividade (antes de jogar os filmes na plataforma) e foi sumariamente negada: as redes só aceitam, no mínimo, três meses de exclusividade. Ela, então, decidiu cancelar as negociações, deixando seus filmes de fora das maiores redes.

A indústria vê essa decisão da Netflix como um privilegiamento do streaming - ao não querer demorar a disponibilizar suas obras para quem paga o catálogo, a Netflix enfraquece o ato de ir ao cinema. Caso suas exigências fossem aceitas, o cinema como conhecemos sofreria grandes mudanças já que o stream seria o principal foco, e é claro que não é isso que a indústria quer. Válido lembrar do ataque de Steven Spielberg no começo do ano, que é severamente contra ao modo que a Netflix não aceita as mesmas condições que todos os estúdios aceitam para disputar prêmios - Spielberg até mesmo fez enorme campanha para "Green Book" derrotar "Roma" no Oscar 2019, e foi o que aconteceu. A plataforma chegou a se pronunciar, apontando que o streaming facilita o acesso à arte.

We love cinema. Here are some things we also love:

-Access for people who can't always afford, or live in towns without, theaters
-Letting everyone, everywhere enjoy releases at the same time
-Giving filmmakers more ways to share art

These things are not mutually exclusive.

— Netflix Film (@NetflixFilm) 4 de março de 2019

Além disso, a Netflix surge com campanhas cada vez maiores - a de "Roma" custou 50 milhões de dólares, a maior da temporada - a fim de driblar as restrições de distribuição e colocar seus escolhidos nos postos mais altos. Se o Oscar 2020 seguirá os passos do Globo de Ouro, temos que esperar para ver, porém, é o caminho que parece mais certo. Vamos concordar que poderiam premiar "Parasita" e acabar com qualquer briga, pois é o melhor filme da temporada em qualquer uma das categorias.

Os 100 melhores filmes da década (Parte 3)

A atual década foi emblemática na minha vida: comecei em 2010 a me dedicar à Sétima Arte, então acompanhei de perto os rumos que a arte tomou no período. Foram centenas de filmes vistos e aqui listo (ou tento listar) meus 100 filmes favoritos da década. É claro, fazer uma lista definitiva beira a impossibilidade: segundo o Letterboxd, maior banco de dados de Cinema do mundo, foram quase 159 mil filmes lançados nos últimos 10 anos (quase o dobro da década anterior), ou seja, humanamente impossível assistir a todos.

Todos os anos, sempre busquei assistir aos principais filmes e, claro, buscar pérolas que passassem longe da grande rede de distribuição, afinal, aquele filme da Zâmbia que mal vê a luz do sol é capaz de ser muito melhor que um blockbuster hollywoodiano - e sempre afirmei que é papel da crítica dar luz a filmes que não possuem o dinheiro para chegar tão longe.

Os critérios de seleção da lista foram os seguintes: filmes com estreias em solo brasileiro de 2010 a 2019 - seja cinema, Netflix e afins -, ou seja, haverá nomes com a data de 2009 que só chegaram aqui no ano seguinte, assim como terá filmes de 2019 indo para a próxima década; ou que chegaram na internet sem data de lançamento prevista, caso contrário, seria impossível montar uma lista coerente, tendo em vista a dinâmica do mercado no nosso país. Importante pontuar que aqui há filmes que estreiam no comecinho de 2020, porém já entram aqui por ter distribuição limitada ainda em 2019. E não se preocupe, todos os textos são livres de spoilers para não estragar sua experiência. Aqui está a lista com os 100 no Letterboxd para você ver quantos já assistiu e já escolher o próximo - se já tiver visto todos, conte comigo para tudo.

33. Garota Exemplar (Gone Girl), 2014

Direção de David Fincher, EUA.

"Garota Exemplar" conta a história de Amy, a tal garota exemplar do título (interpretada por uma insana Rosamund Pike), uma mulher que desaparece no seu aniversário de casamento. O principal suspeito? Nick (o sempre expressivo Ben Affleck), seu marido, que nega veemente estar por trás do sumiço da esposa. Só podemos contar até aqui porque o filme é uma verdadeira montanha-russa que vai arrancar sem piedade o máximo de adrenalina do seu pâncreas. O começo do filme, com a construção da relação do casal protagonista, pode parecer lenta, porém, quando Fincher joga esse didatismo pela janela, cria um filme exuberante, irônico, cheio de personagens cínicos e inescrupulosos que brincam com o espectador perversamente e deveria no mínimo render um Oscar de "Melhor Atriz" para Pike.

32. A Forma da Água (The Shape of Water), 2017

Direção de Guilhermo Del Toro, EUA.

O mais novo vencedor do Oscar de “Melhor Filme” – e um dos mais merecidos títulos da década, “A Forma da Água” é uma triunfal realização ao dar veracidade a um dos amores mais estranhos já feitos no Cinema. Reavendo um período clássico da Sétima Arte, a produção tanto homenageia uma época como distorce padrões ao usar estereótipos em prol de discussões sociais importantes. Milagre visual com um dos finais mais violentamente arrebatadores do ano, eis uma fita sobre excluídos, marginalizados e sem voz. Quando os mocinhos são uma trupe formada por uma mulher muda, uma negra, um homem gay e uma criatura anfíbia da Amazônia, enquanto o vilão é o homem branco americano, é a conclusão de que Del Toro fez um filme político de forma mágica e encantadora. “Incapaz de distinguir sua forma, eu te encontrei todo ao meu redor”.

31. Mommy (idem), 2014

Direção de Xavier Dolan, Canadá.

"Mommy", quinto filme de Dolan, retoma o tema do primeiro dele, "Eu Matei Minha Mãe", retratando o relacionamento conturbado de Steve, o filho, e Die, a mãe. O garoto, cheio de transtornos mentais, toca o terror onde passa, dificultando a vida da mãe. A situação muda quando eles conhecem Kyla, sua vizinha, que passa a integrar a família. O filme usa de uma sacada visual sensacional: a maior parte dele se passa dentro de um quadrado. Não temos a tela cheia, apenas um quadrado, refletindo a situação claustrofóbica e tensa dos personagens. Quando eles conseguem algum momento de paz, a tela literalmente se abre, num efeito belíssimo que consegue deixar uma marca visual sem precedentes. Fora isso, as atuações perfeitas do trio protagonista juntamente com o roteiro afiado e emocionante compõem um filme gigante. Ah, e tem Lana Del Rey na trilha.

30. A Separação (Jodaeiye Nader az Simin), 2011

Direção de Asghar Farhadi, Irã.

O filme que catapultou a carreira de Asghar Farhadi - e que lhe rendeu o primeiro dos dois Oscars de "Filme Estrangeiro" -, "A Separação" conta a história de um casal que atingiu um ponto no casamento que os levará para caminhos distintos: a esposa quer se mudar com a filha, enquanto o marido anseia ficar para cuidar do pai. Só que, dentro da sociedade iraniana, essa separação não é apenas uma assinatura em um papel. As tênues camadas criadas por Farhadi a partir de uma premissa simplérrima são provas de seu domínio cinematográfico quando tudo é tão perfeitamente amarrado com críticas construtivas à sociedade e à religião.

29. Parasita (Gisaengchung), 2019

Dirigido por Bong Joon-ho, Coreia do Sul.

"Parasita" é um dos cumes de 2019 quando cria uma sessão bizarramente divertida sem, jamais, em momento algum, deixar com que o estudo social saia do ecrã: uma família pobre monta um engenhoso plano para entrar na casa (e na vida) de uma família rica, o que vai permanentemente mudar os rumos de todos. Com um lindo malabarismo de gêneros, o filme enfia a faca em um sistema que fundamentalmente existe ao por um camada acima de outra, o que tira a dignidade do ser humano, predestinado a cometer ações terminais que comprovam o insucesso da separação entre burguesia e marginalizados. Talvez a melhor (e mais insana) luta de classe que tivemos no Cinema nessa década - e aqui estamos falando tanto no sentido figurado como no literal.

28. Miss Violência (Miss Violence), 2013

Direção de Alexandros Avranas, Grécia.

"Miss Violência" já começa estranho: é aniversário de uma garota. A família está toda feliz na festa quando a menina vai até a sacada, olha pra câmera, ri e se suicida. Por que ela fez isso? Por que a família parece tentar esquecê-la e seguir em frente? Há, de fato, algum segredo ali? Essa são perguntas que imediatamente brotam logo no início do filme e vão lentamente se desenrolando no decorrer do mesmo, mas saiba: esse decorrer é penoso e forte, com algumas cenas nada digeríveis e até ofensivas para alguns, então assista sabendo o que enfrentará. Mais um mundo familiar austero grego, "Miss Violência" quebra os alicerces dessa instituição perfeita com cenas revoltantes e bizarras onde a violência é a causa e solução de todos os problemas.

27. Carol (idem), 2016

Direção de Todd Haynes, Reino Unido/EUA

Um ícone do cinema LGBT, "Carol" aposta na sutileza ao exibir o florescimento de um romance lésbico numa época bastante complicada. É natal de 1952 quando Therese (Rooney Mara) conhece Carol (Cate Blanchett). A situação é bastante comum, mas há um "quê" no encontro que as une como ímãs. Carol, na beira de um divórcio, tenta administrar toda sua vida como uma malabarista: seu romance com Therese é estopim para o inflado (ex) marido pedir a guarda total da filha, já que, nos anos 50, lesbianismo era uma "conduta imprópria". O drama é carregado de forma exemplar pelas atrizes, com Blanchett hipnotizando em tela. Dotado de delicadeza invejável, "Carol" não é apenas uma nota, mas uma completa sinfonia de Haynes que compõe com sua câmera um amor oprimido por meio de enquadramentos distantes para nos transpor ao desabrochar daquela relação.

26. Sombras da Vida (A Ghost Story), 2017

Direção de David Lowery, EUA.

C é casado com M e vivem felizes em sua pequena casa. Só que C morre em um acidente, e, ao invés de priorizar o luto de M, David Lowery explana o que acontece com a (pós)-vida de C, agora um fantasma. "Sombras da Vida" (que título nacional horroroso) vai ao mais elementar da mitologia ao redor do fantasma e o traz com o velho lençol branco, revitalizando não apenas a criatura como também a maneira de retratar o luto no cinema. Negando-se a seguir em frente, C se instala em sua casa e observa os passos da ex-esposa até que o choque acontece: ela continua vivendo. Niilista até arrancar a fé do público, "Sombras da Vida" é um lento estudo acerca do ato de permanecer ou não em uma situação de perda. Vale a pena toda a sofrível tarefa que é viver?

25. A Caça (Jagten/The Hunt), 2012

Direção de Thomas Vinterberg, Dinamarca.

“A Caça” é a união irretocável de todos os elementos que fazem o Cinema ser uma arte tão devastadora: um professor é falsamente acusado de pedofilia, mas só ele e o público sabem a verdade. Mads Mikkelsen, numa atuação contida, mas poderosíssima, desenvolve um personagem impressionante, tridimensional e de fácil empatia, que lhe rendeu o prêmio de “Melhor Ator” no Festival de Cannes 2012. Vinterberg, pai do Dogma 95, usa alguns dos elementos crus do movimento para deixar ainda mais documental seu relato, o que só destila ainda mais o turbilhão de sensações regurgitadas na tela. “A Caça” é uma ode ao desconforto, que mexe com as certezas e as dúvidas do espectador – se essa não for uma das mais impressionantes funções do cinema, não sei o que é.

24. Bacurau (idem), 2019

Direção de Kleber Mendonça Filho & Juliano Dornelles, Brasil.

Uma cidadezinha no interior do Nordeste é assolada com estranhos acontecimentos após a morte da matriarca da região. Se o povo de Bacurau, o vilarejo, dá o sangue para manter sua identidade viva contra quaisquer ameaças, "Bacurau", o filme, é uma dádiva que levanta a mão e grita "o cinema nacional resiste". E mais ainda: o cinema nordestino - que parece ser o polo principal da indústria contemporânea brasileira. Pondo seu local geográfico no protagonismo, é a terra que faz brotar o mandacaru que sabe onde estão os valores mais importantes de uma sociedade, e que não tem medo de descer a peixeira em quem tenta oprimi-la ou apagá-la. No faroeste psicodélico e distópico de "Bacurau", o Nordeste não vai pensar duas vezes antes de cair na capoeira, então não se meta.

23. Suspíria: A Dança do Medo (Suspiria), 2018

Direção de Luca Guadagnino, EUA/Itália.

Remake do clássico de Dario Argento, lançado em 1977, a empreitada pós "Me Chame Pelo Seu Nome" de Guadagnino abandona o compromisso com a trama do original e cria uma película própria, seguindo apenas a premissa: uma dançarina americana chega à uma escola de balé em Berlim que é controlada por bruxas. As atuações, os diálogos e todos os aspectos visuais de "Suspíria" são irretocáveis, todavia, o melhor é sua atmosfera. Há imagens de beleza irretocável ao lado de cenas perturbadoras, emolduradas por uma narrativa onírica que, a partir de sua técnica, tem a capacidade de transformar o mundo físico em algo etéreo e narcotizante. Dotado de pretensão para dar e vender, "Suspíria" consegue ser traduzido por um diálogo proferido aos berros: "Isso não é vaidade, é arte!".

22. Que Horas Ela Volta? (idem), 2015

Direção de Anna Muylaert, Brasil.

A maior obra-prima do nosso cinema nessa década e pilar central dos novos rumos que viriam a seguir, "Que Horas Ela Volta?" transcende a barreira regional para entrar no panteão internacional ao unir uma história que tanto reflete as rachaduras da nossa sociedade quanto universaliza seus dramas. Carregado por uma louvável atuação de Regina Casé, que não assustaria caso fosse indicada ao Oscar, a obra escancara nossa cultura da servidão ao jogar com papéis hierárquicos e como devemos urgentemente rever a existência do quartinho da empregada, reclusa nos corredores da casa grande. Jessica, conte conosco para tudo.

21. La La Land: Cantando Estações (La La Land), 2016

Direção de Damien Chazelle, EUA.

Caso você tenha vivido no planeta Terra em 2016/17, é praticamente impossível você não ter ouvido falar de "La La Land". O musical de maior sucesso do século (até o momento) pode ter visto o Oscar de "Melhor Filme" escorrer pelas suas mãos, porém nada chega próximo de apagar o brilhantismo que é sua realização. Seguindo um casal de artistas que se apaixonam enquanto vislumbram suas próprias artes desabrocharem, aqui temos uma obra puramente cinematográfica. Não só pelas sequências musicais filmadas sem cortes com explosões de cores, mas também por ser um manifesto de amor à Sétima Arte e às várias que ela abrange. “La La Land” é belíssimo, mesmo que ao término da sessão arranque seu coração e pise em cima.

20. Depois de Lúcia (Después de Lucía), 2012

Direção de Michel Franco, México.

Depois da morte da mãe, uma garota e seu pai decidem recomeçar a vida em um novo lugar. Na escola, a menina é atormentada em segredo, já que ela não ousa contar ao pai por ele já carregar o peso da morte da esposa. O que ninguém espera é que esse silêncio vai arruinar a vida de todo mundo. Franco, em seu ápice criativo, estuda a facilidade da destruição humana por meio dos artefatos modernos que a agilizam em todos os aspectos possíveis. "Depois de Lúcia" é cruel e, mesmo podendo soar gratuito, é conduzido com força o suficiente para justificar cada escolha. Havia momentos em que tive que fechar os olhos para não ser cúmplice daqueles atos que estão ao nosso redor diariamente.

19. Amantes Eternos (Only Lovers Left Alive), 2013

Direção de Jim Jarmusch, Reino Unido.

O tema vampiresco deu uma saturada nos últimos anos, e, mesmo com exemplares saindo vitoriosos,- nenhum olhar sobre a vida vampira foi tão incrível quanto o de Jarmusch em "Amantes Eternos". Adão e Eva são dois vampiros vivendo a modernidade do século XXI. Mesmo com personalidades opostas, ambos possuem algo em comum: o tédio da vida. Jarmusch disseca de forma genial como seria a vida de seres imortais que já viram as mais diversas gerações e já experimentaram as mais diferentes culturas. O que há mais para se fazer? Como lidar com a futilidade da vida eletrônica e como preservar o tempo que eles vieram? E mais: como se alimentar se vivemos num gigantesco "Big Brother"? Tudo isso cria uma áurea magnética e narcotizante que nos faz adentrar naquela realidade vampira de forma ímpar, harmônica e sempre bela. Não dá para não amar um filme sobre vampiros hipsters.

18. Mãe! (Mother!), 2017

Direção de Darren Aronofsky, EUA.

Um dos filmes mais controversos e divisores de opinião da década, "Mãe!", um live-action das escrituras sagradas, possui uma forte mitologia, mas não se trata de monstros ou elementos sobrenaturais. O horror é feito pelas nossas próprias mãos, e poucas obras são capazes de fomentar o pavor que é a sessão servida por "Mãe!".  Bebendo largamente da fonte bíblica, Aronofsky consolida seu nome na arte e realiza mais um imperdível - e sim, pretensioso - capítulo de sua cinematografia, que, apesar de não ser um filme para todos os públicos, é inesquecível pelas imagens e discussões, com a exclamação do título sendo um pequeno aviso para o que está por vir. Não senta na piaaaaa!

17. Animais Noturnos (Nocturnal Animals), 2016

Direção de Tom Ford, EUA.

Utilizando-se de uma narrativa tripla, "Animais Noturnos" disseca o amor de um falido casal através de flashbacks, quando a relação ainda existia; durante o momento presente, quando Susan recebe um misterioso livro; e na adaptação do livro, virando um filme dentro do filme. Mesmo não sabendo de imediato quais os caminhos trilhados pelo casal até a atualidade, o enredo do livro-filme é o contraponto perfeito da vida real da protagonista: cheio de ação, violência e tensão contra a morosidade e melancolia que sua vida chegou. Filmado pelo olhar estético de Tom Ford, o diretor traz toda sua veia estilística do mundo da moda para compor planos milimetricamente perfeitos, contando um drama poderoso sobre fantasmas do passado e como um golpe psicológico pode destruir tão quanto um soco. Uma das maiores vinganças filmadas no cinema.

16. A Bruxa (The Witch), 2015

Direção de Robert Eggers, EUA/Canadá.

Uma família em 1630 é expulsa de sua congregação e obrigada a enfrentar a força do mal no meio de uma floresta. "A Bruxa" trata de muitos subtextos, mas é, acima de tudo, uma celebração do caos. É a regurgitação fidedigna de todos os maiores medos que nós temos: medo da solidão, perda, dor, morte, do mal em si. O filme não é de fato assustador no modo convencional da palavra, é macabro pelas suas metáforas, com algumas passagens perturbadoras que chocam pela crueza e vivacidade do mal. Ainda por cima, é pilar fundamental para a indústria do terror, colocando nos grandes postos um estilo marginalizado aos cinemas de arte e mudando os rumos do gênero.

15. Fronteira (Gräns/Border), 2018

Direção de Ali Abbasi, Suécia.

Uma estranha policial possui o dom de farejar quando pessoas estão cometendo um crime, o que vai desencadear uma corrida policial, a fim de desmantelar uma rede de tráfico sexual e infantil. Indicado ao Oscar de "Melhor Maquiagem", o sueco "Fronteira" funde realismo social com bizarra fantasia, e choca como mundos tão distintos funcionam com perfeição na tela. Fábula que discute o entendimento da natureza - seja a fauna e flora que nos rodeia, seja a nossa própria natureza -, há latente misantropia em seu texto, com um discurso fatalista sobre como pendemos para o pior lado da nossa existência. Aquela mulher que sente o cheiro de culpa é porta-voz dessa obra-prima que surpreende em imagens, sons e mensagens - este é um trabalho original, autêntico e ousado do começo ao fim.

14. Whiplash: Em Busca da Perfeição (Whiplash), 2014

Direção de Damien Chazelle, EUA.

Aqui a história é simples e direta: Andrew é um baterista de 19 anos apaixonado por jazz. Ele é aceito no Conservatório Shaffer, a melhor universidade de música dos Estados Unidos, porém, terá um grande obstáculo pela frente: Terence Fletcher, o maior (e mais temido) maestro da universidade. A força avassaladora de "Whiplash" encontra-se no tripé direção + montagem + atuações. A história é conduzida de forma tão ágil que o filme voa sem nos deixar respirar, impulsionados pelo roteiro cheio de reviravoltas de cair o queixo e uma edição alucinante que nos prega na cadeira. Resultado? A busca foi finalizada com sucesso. NOT QUITE MY TEMPO.

13. Hereditário (Hereditary), 2018

Direção de Ari Aster, EUA.

Em boa parte da duração, parece que "Hereditário" se contentará em ser um filme que, ao invés de produzir medo, vai explanar acerca do seu impacto sobre o ser humano, o que é concreto até chegarmos ao clímax, um pesadelo assustador na tela que não mede limites para catapultar o espectador no meio do pandemônio instaurado. Tudo é milimetricamente justificável, e, por isso, ainda mais aterrador e impactante, parindo diante dos nossos olhos um dos melhores finais da história do cinema de terror – soando ainda mais delicioso quando percebemos que “Hereditário” é o trabalho de estreia de Ari Aster, logo num gênero tão difícil. Daqueles filmes fundamentais não só para o terror como também para o Cinema. "O Exorcista" finalmente encontrou seu filhote no novo século.

12. Projeto Flórida (The Florida Project), 2017

Direção de Sean Baker, EUA.

Quase que completamente esnobado na temporada de premiações – concorreu a apenas UM Oscar –, “Projeto Flórida” é um milagre em audiovisual. Contado através da ótica das crianças, a produção é o retrato agridoce de uma fatia esmagada à margem e varrida para debaixo do tapete: a nova geração de sem tetos. Carregado pela, talvez, melhor performance do ano – de Brooklynn Prince, que tinha SEIS anos durante as filmagens –, seguimos os pequenos criando seus contos de fada para burlarem aquela precária condição, culminando num dos finais mais puros e desoladores já colocados na tela do Cinema. O contraste entre o realismo sufocante que impera sobre os personagens e a magia intoxicante do reino privado moldado pelas crianças é recibo do quão poderoso é esse singelo filme, narrativamente único e esteticamente fabuloso.

11. Direções (Posoki), 2017

Direção de Stephan Komandarev, Bulgária.

"Direções" entra no banco do carona de inúmeros taxistas após um motorista cometer assassinato e suicídio por não conseguir pagar as taxas altíssimas do banco. O crime se espalha rapidamente entre a população, e a classe, numa noite, leva passageiros enquanto discutem o acontecido. O filme de Stephan Komandarev é um road movie búlgaro, porém, poderia estar nas ruas brasileiras: aquela noite é um espetáculo misantropo e entra nas veias urbanas com o intuito de fixar no globo ocular da plateia uma cidade cuja esperança já foi embora. De suásticas nazistas pichadas nas paredes à corrupção impregnada em cada um pelo sistema capitalista, "Direções" é uma irretocável obra-prima que extrai o que há de mais extraordinário no pessimismo artístico, um alerta sobre os rumos que escolhemos enquanto humanidade.

10. O Lagosta (The Lobster), 2015

Direção de Yorgos Lanthimos, Irlanda/Grécia.

Olha mais um do Lanthimos. O filme mais famoso do diretor grego - foi indicado ao Oscar de "Melhor Roteiro Original" (e deveria ter vencido) - retrata um mundo em que é proibido ser solteiro. Caso seu relacionamento falhe, você tem 45 dias no Hotel para encontrar a cara-metade, caso contrário será transformado em um animal da sua preferência e solto na Floresta. Mais um dia qualquer no Cinema. "O Lagosta" brilhantemente brinca com nossas noções de romance e o quanto estamos desesperadamente em busca de alguém para nos tirar da solidão, por mais absurda que seja essa busca. A forma como nos sujeitamos às regras impostas é escancarada de maneira hilária (e preocupante) em "O Lagosta", a prova de seu poder como experiência audiovisual.

9. A Região Selvagem (La Región Salvaje), 2016

Direção de Amat Escalante, México.

O sexo em si é um tabu enorme ainda hoje, mas, muito mais que o ato sexual, a sexualidade especificamente feminina é ainda mais censurada. Homens são quase treinados, desde pequeno, a explorarem sua sexualidade, uma área proibida para o sexo oposto. Com o mexicano "A Região Selvagem", é a vez das mulheres. Quando um meteorito cai na cidade de Alejandra, ela finalmente descobre o prazer nas mãos (ou nos tentáculos) de um alienígena, que rende cenas bizarras pelos gráficos e pela interpretação assustadoramente palpável. Filme com mulheres abraçando suas sexualidades, em que a protagonista se cansa dos machos da mesma espécie e fazem sexo com uma criatura não-humana que consegue satisfazê-la como homem nenhum? Obra-prima.

8. Ela (Her), 2013

Direção de Spike Jonze, EUA.

Você já se apegou a um personagem em alguma série a ponto de amar e chorar por ele? Então, você criou laços com algo que não existe. Essa é a indagação gerada pelo filme "Ela", como o amor realmente funciona. No filme, Theodore, um escritor solitário, compra um novo e moderno sistema operacional de múltiplas plataformas que foi desenvolvido para interagir da forma mais complexa com o dono. O tal sistema é completamente auto-suficiente, feito para atender a todas as necessidades do usuário, tendo praticamente "vontade própria". Autonomeando-se "Samantha", o OS começa a fazer parte integral da vida de Theodore, e este se pega apaixonado por ele. Ou, no caso, por ela. Com trilha sonora bela, direção de arte maravilhosa e com o Oscar de "Melhor Roteiro Original" nas mãos, Jonze cria um clássico instantâneo absolutamente moderno, criativo, instigante, empolgante, apaixonante e, acima de tudo, lindo. Muito lindo.

7. Azul é a Cor Mais Quente (La vie d'Adèle), 2013

Direção de Abdellatif Kechiche, França/Tunísia.

Eu sei. Você provavelmente está me xingando agora. Mas calma, deixa eu explicar. "Azul é a Cor Mais Quente" foi "cancelado" pelas polêmicas ao redor do seu diretor, que já recebeu múltiplas acusações de assédio - inclusive, as atrizes protagonistas já falaram que jamais trabalhariam de novo com Kechiche, mas disseram que amam o resultado final do filme. É uma situação complexa. Porém, ao assistir ao filme meses depois de ele vencer a "Palma de Ouro" no Festival de Cannes, me vi, assim como o júri que premiou o filme, arrebatado por uma das mais poderosas histórias de amor já feitas. Muito bom estarmos atentos à problemática que leva tanta gente a repudiar o filme, contudo, há o trabalho de muita gente talentosa que tem nada a ver com as acusações contra Kechiche. É a verdade difícil de engolir: pessoas problemáticas são capazes de realizar bons trabalhos, e "Azul" é irretocável enquanto arte.

6. A Chegada (Arrival), 2016

Direção de Denis Villeneuve, EUA/Canadá.

Villeneuve, que começou meteoricamente no Canadá, entra nas graças de Hollywood com "A Chegada", todavia não soa óbvio ou clichê ao retirar o propósito maior de seu filme das (sete) mãos dos alienígenas para as mãos humanas: uma linguista é contratada para se comunicar com uma dupla de E.T.s que surgiram em uma gigante nave. "A Chegada" é uma aula de linguística e, acima de tudo, uma reflexiva lição sobre os meandros da vida, com doses generosas de suspense e emoção. Pode parecer supercomplexo num primeiro momento, porém a trama é até simplista. Com “A Chegada”, Villeneuve, que já entregou tantos filmes incríveis, entra para os grandes clássicos ao realizar uma obra-prima que demanda a reflexão da plateia. Mas então, se você visse sua vida toda, do começo ao fim, mudaria alguma coisa?

5. A Gangue (Plemya), 2014

Direção de Myroslav Slaboshpytskyi, Ucrânia.

"A Gangue" é um filme como nenhum outro: é inteiramente "falado" em língua de sinais ucraniana e sem legendas. Você não ouvirá um diálogo. Recheado com cenas impiedosas até culminar num final sem redenção, definitivamente essa não é uma obra para qualquer um por lidar de maneira cruel e até misantropa com a existência humana - não há motivos para continuar acreditando no próximo diante de uma realidade tão animalesca, que não deixa de transmitir toda a sua carga emocional elevadíssima, além de criar sensações únicas para o espectador cúmplice, numa experiência inimaginável. Quem espera um filme feliz deve procurá-lo em outro lugar pois “A Gangue” é um festival de desconforto e niilismo, todavia, concomitantemente, coloca o Cinema num degrau acima ao burlar os limites da arte e conseguir de forma estratosfericamente genial fazer jus ao seu slogan: “O amor e o ódio não precisam de tradução".

4. Moonlight: Sob a Luz do Luar (Moonlight), 2016

Direção de Barry Jenkins, EUA.

O maior vencedor do Oscar de "Melhor Filme" do século, "Moonlight" traça a vida de Chiron em três fases: infância, adolescência e maturidade. Sem querer, pegamos carona nessa jornada e relembramos a nossa própria viagem pela vida, ainda em curso. É inegável que "Moonlight" seja um filme triste, todavia, ao mesmo tempo, é uma obra genialmente bela, tocante e verdadeira. Aqui temos um olhar brilhante de Barry Jenkins sobre temas muitas vezes esquecidos no cinema, mas urgentes, necessários e representativos como o ser gay, o ser negro, o ser periférico, o que solidifica sua inestimável importância social. Porém, você não precisa se enquadrar em algum desses três “seres” para sentir a delicadeza devastadora que “Moonlight” provoca – mas caso se encaixe, essa é uma história para toda uma vida. A de Chiron e a sua.

3. Cisne Negro (Black Swan), 2010

Direção de Darren Aronofsky, EUA.

Um dos seletos filmes de terror a serem indicados ao Oscar de "Melhor Filme" (e, no caso, o vencedor moral da categoria em 2011), "Cisne Negro" tem o desafio de sua protagonista (que deu "Melhor Atriz" à Natalie Portman) de interpretar o papel principal do balé "O Lago dos Cisnes": ela é ideal como o Cisne Branco, o lado puro, mas não consegue exalar o Cisne Negro, o viés fatal. Uma montanha-russa, "Cisne Negro" funciona como metáfora da perseguição artística pela perfeição, e o quanto essa corrida pode nos levar à loucura. Desglamourizando a beleza do balé, há uma verdadeira guerra na cabeça da protagonista, que vai rapidamente ruindo seu psicológico e misturando real e alucinação. É um dos auges do glamour e horror em um filme na década com sequências lendárias. Eu senti... foi perfeito.

2. Demônio de Neon (The Neon Demon), 2016

Direção de Nicolas Winding Refn, Dinamarca.

Uma jovem e virginal garota chega na cidade grande com o sonho de se tornar modelo, e "Demônio de Neon" está para a moda assim como "Cisne Negro" está para o balé. No entanto, o grande editorial de luxo que é o filme de Refn aborda de forma mais brutal e macabra os corredores sujos de inveja e sangue que alimentam (e matam de fome) sonhos e egos, sendo uma psicodélica viagem ao submundo fashion, com requintes técnicos violentamente perfeitos evocando sensações desconcertantes no espectador, forçado a embarcar em loucuras de página de revista. O final, onde o filme empurra todos os limites, culmina numa das mais memoráveis e arrepiantes conclusões da história, a última cereja do bolo grotesco – todavia sempre lindíssimo – trabalho que é “Demônio de Neon”.

1. Dente Canino (Kynodontas), 2009

Direção de Yorgos Lanthimos, Grécia.

Uma família mora longe do centro urbano com um propósito muito definido: os pais controlam a vida dos três filhos a partir de mentiras. A prole jamais pôs os pés fora de casa, acreditando que a vida do lado de fora é proibida, e só ganharão acesso ao mundo exterior quando o dente canino cair (ou seja, nunca). "Dente Canino" imediatamente finca a atenção pelo texto tão estranho e tão cativante. São muitos detalhes na composição daquela bizarra família que solidificam a sessão, uma viagem irretocável que critica o modo de se relacionar da mais antiga instituição que existe, a família. Existem infinitas camadas de estudo que brotam na nossa mente no decorrer do filme, tudo de forma magistralmente simples. Um filme tão poderoso na sua interpretação que nem em mil palavras caberia a genialidade dele.

Parte 2 (do #34 ao #66) >>

Os 100 melhores filmes da década (Parte 2)

A atual década foi emblemática na minha vida: comecei em 2010 a me dedicar à Sétima Arte, então acompanhei de perto os rumos que a arte tomou no período. Foram centenas de filmes vistos e aqui listo (ou tento listar) meus 100 filmes favoritos da década. É claro, fazer uma lista definitiva beira a impossibilidade: segundo o Letterboxd, maior banco de dados de Cinema do mundo, foram quase 159 mil filmes lançados nos últimos 10 anos (quase o dobro da década anterior), ou seja, humanamente impossível assistir a todos.

Todos os anos, sempre busquei assistir aos principais filmes e, claro, buscar pérolas que passassem longe da grande rede de distribuição, afinal, aquele filme da Zâmbia que mal vê a luz do sol é capaz de ser muito melhor que um blockbuster hollywoodiano - e sempre afirmei que é papel da crítica dar luz a filmes que não possuem o dinheiro para chegar tão longe.

Os critérios de seleção da lista foram os seguintes: filmes com estreias em solo brasileiro de 2010 a 2019 - seja cinema, Netflix e afins -, ou seja, haverá nomes com a data de 2009 que só chegaram aqui no ano seguinte, assim como terá filmes de 2019 indo para a próxima década; ou que chegaram na internet sem data de lançamento prevista, caso contrário, seria impossível montar uma lista coerente, tendo em vista a dinâmica do mercado no nosso país. Importante pontuar que aqui há filmes que estreiam no comecinho de 2020, porém já entram aqui por ter distribuição limitada ainda em 2019. E não se preocupe, todos os textos são livres de spoilers para não estragar sua experiência. Aqui está a lista com os 100 no Letterboxd para você ver quantos já assistiu e já escolher o próximo - se já tiver visto todos, conte comigo para tudo.

66. Tomboy (idem), 2011

Direção de Céline Sciamma, França.

Laure, de 10 anos, chega na sua nova cidadezinha francesa e aproveita a novidade para, secretamente, viver como um menino, Mickael. A única pessoa que sabe da verdade é sua irmã mais nova, completamente confortável com a dupla identidade do irmão trans. "Tomboy" é um clássico moderno LGBT que explora de maneira genial a ambiguidade de gênero - e como a transfobia é puramente ensinada. O segredo de Mickael está fadado ao fracasso, e as tensões aumentam quando sabemos que a reação do mundo diante de sua transsexualidade não será positiva - nem mesmo dentro de casa, quando sua mãe o obriga a usar roupas femininas. Delicadíssimo retrato da infância, "Tomboy" é um júbilo sobre a liberdade de sermos quem somos. E sempre bom lembrar: EDUQUEM SEUS FILHOS A RESPEITAREM A DIVERSIDADE.

65. Oitava Série (Eighth Grade), 2018

Direção de Bo Burnham, EUA.

Confesso que, ao anúncio da estreia do youtuber Bo Burnham na cadeira de diretor, não coloquei esperança. Assim, quando assisti "Oitava Série", a surpresa foi fabulosa. Seguindo os passos de uma garota afogada em ansiedade, o coming of age não está interessado em somente exibir os dilemas convencionais da faixa temporal, alavancando o roteiro a um patamar de debates que burlam as fronteiras de idade. Com uma atuação refinada de Elsie Fisher, "Oitava Série" é uma obra ímpar acerca de problemas mentais na era do Instagram - e é urgente como garotas são as mais suscetíveis a sofrerem pelas pressões sociais que já espetam desde cedo. Gucci!

64. A Sombra da Árvore (Undir Trénu), 2017

Direção de: Hafsteinn Gunnar Sigurðsson, Islândia.
Se você gostou de “Relatos Selvagens”, vai ter a epiderme arrepiada por “A Sombra da Árvore”. Duas famílias vizinhas começam uma verdadeira guerra devido a sombra da árvore de uma bater no quintal da outra (!). Assim como a obra-prima argentina, “A Sombra da Árvore”, selecionado islandês ao Oscar 2018, disseca acidamente a falta de comunicabilidade do homem moderno e como estamos no limite da sanidade ao esbarrarmos na fronteira do outro. Mas claro que os personagens aqui não estão abertos para diálogos, preferindo entrarem num inacreditável jogo de xadrez onde cada movimento é mais tresloucado que o anterior. A grama do vizinho nunca foi tão mais verde.

63. O Homem Duplicado (Enemy), 2013

Direção de Denis Villeneuve, Canadá.
Se um Jake Gyllenhaal é bom, imagine dois? Um professor aborrecido com a monotonia da vida descobre em um filme que existe um ator exatamente igual a ele. O achado vai desencadear numa espiral de obsessão entre ele e seu duplo. Dirigido pelo incrível Denis Villeneuve, o roteiro é baseado no livro de mesmo nome de José Saramago e, sem saber o quanto a produção bebe da fonte literária, temos em mãos um dos melhores quebra-cabeças já feitos no século. "O Homem Duplicado" não possui saídas simplistas nem resoluções óbvias, entupindo a plateia com metáforas visuais, composições enigmáticas e peças que parecem não se encaixar. A aranha teceu essa teia à base do caos, e não se culpe caso precise reassistir para entender.

62. Glória (Slava), 2016

Direção de Kristina Grozeva & Petar Valchanov, Bulgária.
Um trabalhador ferroviário encontra uma mala cheia de dinheiro. Ele, para o assombro de todos, devolve a quantia, e ganha um relógio como recompensa. Enquanto isso, seu antigo relógio, acessório de família, é perdido, e ele se desespera para recuperá-lo. "Glória" é o "Madame De..." desse século, usando um acessório banal, um relógio, para desencadear toda a trama e bagunçar para sempre a vida de seus personagens. Usando histórias reais para unir um filme poderoso sobre corrupção, diferença de classes e dignidade, a pergunta central é "qual o preço do seu próprio valor?". Teoria do Caso aplicada efetivamente - e é impressionante assistir tudo desmoronar cena após cena.

61. Os Iniciados (Inxeba), 2017

Direção de John Trengove, África do Sul.

Boicotado por manifestações homofóbicas, "Os Iniciados" caiu nos braços da crítica tanto pela repressão escancarada que sofreu quanto pela qualidade ao retratar um amor gay batendo de frente com tradições africanas. Um dos melhores e mais relevantes retratos da masculinidade tóxica que o cinema já viu, "Os Iniciados" é película primordial para citarmos nossos próprios privilégios ao passo que os notamos: vivemos num corpo social que permite liberdade das amarras do patriarcado em vários níveis, enquanto naquele meio do filme não há escapatória. Esse "Moonlight" versão africana, que foi semifinalista ao Oscar 2018, se diferencia da fatia gay no cinema ao trazer grande e valioso reforço cultural para compor suas situações, encurralando seus personagens, encarcerados em tradições tóxicas que oprimem e rendem discussões fortes, cruas e urgentes no ecrã.

60. A Criada (Agassi), 2016

Direção de Park Chan-wook, Coreia do Sul.

O celebrado diretor de "Oldboy", Park Chan-wook, até demorou a cair nas mãos hollywoodianas. Em 2013 ele lançou o fraquíssimo (mas visualmente lindo) "Segredos de Sangue", sua estreia em solo americano, porém, não tardou para ele voltar à Coreia do Sul e tudo voltar à normalidade. Sua nova empreitada é "A Criada", uma intricada história sobre um manobrista que contrata uma batedora de carteiras para dar o golpe numa rica senhora japonesa: a garota seria criada da senhora e a convenceria de casar com o auto-denominado "conde". Mas os planos mudam quando a garota se apaixona pela senhora. A partir daí, esse triângulo, que ainda tem uma outra peça no jogo pelo dinheiro, o controlador tio da senhora, faz com que os rumos de todos sejam incertos. A narrativa engenhosa de Chan-wook faz com que assistamos ao filme duas vezes, mostrando ângulos e pontos de vistas diferentes para encaixarmos as peças desse quebra-cabeças delicioso e imageticamente deslumbrante.

59.  O Estudante (M-uchenik), 2016

Direção de Kirill Serebrennikov, Rússia.
O russo "O Estudante" conta a história de Veniamin, um garoto violentamente fanático por religião que vai gradualmente infernizando a vida de todos ao seu redor. Presente na tela em todos os momentos, o personagem é um daqueles que desejamos dar um tiro de tão insuportável que é, levando todo mundo ao seu próprio obscurantismo e realizando tragédias. A fita é ainda mais sagaz quando coloca TODAS as citações bíblicas do menino na tela, indicando os versículos - e acredite, são muitas. Serebrennikov empurrar seu roteiro para o extremo do fundamentalismo, onde a fé pula a cerca e cai na sociopatia, numa Rússia perdida em preconceitos e intolerâncias.

58. Cafarnaum (Capharnaüm), 2018

Direção de Nadine Labaki, Líbano.

O vencedor moral do Oscar 2019 de "Melhor Filme Estrangeiro" e "Melhor Direção" ("Roma" não chega nem aos pés), "Cafarnaum" surgiu quando Labaki se perguntou: no nosso sistema tão falho, quem mais sofre com nossos conflitos, guerras e governos? As crianças. E a película é inteiramente transposta a partir da visão dos pequenos, em especial Zain, que está processando os pais por lhe darem a vida. "Cafarnaum" vai até o seio de um Líbano degradado e à beira do colapso, dando voz àqueles que são ignorados por completo. Carregado nas costas pelo brilhante elenco infantil, eis um daqueles filmes que são uma forma de documentação histórica e denúncia de realidades esquecidas. A cena final é uma das maiores destruições já filmadas nesse século.

57. Garota (Girl), 2018

Direção de Lukas Dhont, Bélgica.

Baseado na vida de uma real bailarina trans, "Garota" foi recebido com amores e ódios pela ótica íntima da vida transsexual. A sessão é impactante não só pelo o que a fita mostra, mas pelo o que ela gera como sensações, navegando pelas ansiedades, medos e momentos mais obscuros que um LGBT passa ao se ver em uma sociedade que não está capacitada para entendê-lo. Porém, a maior lição que retiramos de "Garota" é óbvia: o local de fala é importante, mas não garante coisa alguma, principalmente se tratando de expertises artísticas. Sua bagagem não vai, necessariamente, fazer um bom filme. Felizmente, não foi o caso de "Garota", um delicado filme baseado na vivência de uma real mulher trans, não uma fantasia erotizada de uma pessoa cis.

56. A Favorita (The Favourite), 2018

Direção de Yorgos Lanthimos, Reino Unido/EUA.

O filme de época mais espirituoso dos últimos tempos, "A Favorita" é, em primeiro lugar, um filme sobre mulheres difíceis em uma época difícil e em posições difíceis. A obra encanta na riqueza de detalhes narrativos e visuais, e quando suas protagonistas - três monstros na tela - não dão a mínima para a guerra do lado de fora de seu palácio, mais preocupadas com a batalha que acontece ali dentro - o destino da nação pouco importa quando é seu status que está em jogo. Mesmo não tendo o roteiro assinado por Lanthimos, o maior diretor em atividade, o longa é mais uma prova da genialidade do cineasta enquanto contador de histórias. "A Favorita" é uma luta real pelo favoritismo de uma insana rainha que escancara o nada discreto charme da burguesia.

55. A Lição (Urok), 2014

Direção de Kristina Grozeva & Petar Valchanov, Bulgária.
Em uma cidadezinha búlgara, uma professora para suas aulas para descobrir quem é o culpado de um furto na sua classe. Ela se mostra muito íntegra e ensina o valor da verdade para os pequenos, porém, quando ela se vê afogada em dívidas, seu posicionamento será o mesmo? Extraordinário e palpável estudo de personagem, a fita é tão realística que podemos olhá-la pelas nossas janelas, isso quando não visualizados seus dramas dentro das nossas próprias paredes. Moral, prioridades, o certo e o errado e o peso do dinheiro nesse mundo capitalista dissecados de forma aguçada.

54. Uma Mulher Fantástica (Una Mujer Fantastica), 2017

Direção de Sebastián Lelio, Chile.

Provavelmente o maior expoente trans do cinema na contemporaneidade, "Uma Mulher Fantástica" ganhou o Oscar de "Melhor Filme Estrangeiro", o primeiro da categoria dado a um longa com essa temática - e o primeiro chileno. Seguindo a vida de Marina, acompanhamos a montanha-russa que se torna sua vida quando seu namorado morre. Por ser trans, ela é automaticamente culpada pela morte, e vai ter que enfrentar as autoridades e a família do falecido, que estão de prontidão para renegarem sua existência. Não apenas um drama fenomenal, o filme ainda tem um bônus de ter sido interpretado por uma real mulher trans, a maravilhosa Daniela Vega. O título é um daqueles spoilers que não nos incomodamos em receber.

53. Divino Amor (idem), 2019

Direção de Gabriel Mascaro, Brasil.

"Divino Amor" leva o espectador para um Brasil aqui do lado, alguns anos no futuro. Com o avanço do fundamentalismo, o nosso país vira um cabaré gospel. O ethos construído pelo roteiro une o conservadorismo hipócrita com os pecados da carne, convenientemente convertidos em dádivas quando o lema do novo sistema é "Quem ama divide". O fanatismo não tem vergonha ao se arvorar do bacanal como veículo de encontro com deus, porém não se engane: o bordel instaurado de "Divino Amor" é muito bem controlado. O mais assustador do filme é sua consonância com o agora do nosso país - o exagero do ufanismo religioso é prato cheio dentro da arte, e a película a escancara acidamente, na mesma medida em que alerta o avanço do fanatismo.  Num país que parece não haver regras, justiça e equidade, o cabaré sagrado de "Divino Amor" soa preocupantemente plausível.

52. Tangerina (Tangerine), 2015

Direção de Sean Baker, EUA.

"Tangerina" vai na cola de uma prostituta e sua amiga - ambas interpretadas por atrizes trans -, que, ao descobrirem a traição do cafetão, saem em busca do traidor e sua amante. Qual o cerne do filme? A triste e estreita ligação entre a transsexualidade e a marginalização. É nada confortável encarar de frente os vários tópicos que a obra escancara sem vergonhas, porém, "Tangerina" é um filme sobre como a sororidade é peça indispensável para a sobrevivência de pessoas ainda varridas para debaixo do tapete. Longe de um trato plástico e artificial na tela, "Tangerina" vem como um sopro de ar livre ao dar voz, provocar e abordar uma realidade marginalizadora de forma crível, correta e socialmente relevante. E foi inteiramente filmado com celulares.

51. Políssia (Polisse), 2011

Direção de Maïwenn, França.

Segundo Maïwenn, o título de "Políssia" veio do seu filho, que escreveu a palavra "polícia" com dois "s". O título é singelo, mas carrega o cerne da película: conhecemos a rotina dos policiais da Brigada de Proteção de Menores; sua principal função é lidar com crianças vítimas de pedofilia. Muito mais que uma visão fria do trabalho, os 120 minutos de duração obrigam o espectador a chorar e vomitar um turbilhão de sensações, costurando de forma brilhante o dia a dia do combate à pedofilia com seus impactos sociais e psicológicos sob todos os envolvidos. "Políssia" é o Cinema como espinho necessário, mesmo não sem em segundo algum agradável.

50. Sem Amor (Nelyubov), 2017

Direção de: Andrey Zvyagintsev, Rússia.

Um casal à beira do divórcio nutre ódio mútuo que torna a mera aproximação insustentável. Sobra para o filho deles, esquecido e renegado, já que os pais estão ocupados demais se odiando. Quando o menino foge e desaparece (após uma das cenas mais devastadoras do ano – a da porta), eles terão que se aturar para achar a criança. Depois de estudar seu país com “Leviatã”, Zvyagintsev estuda uma situação extrema e costura seus personagens de maneira homeopática, construindo uma trama universalmente afiada que consegue tirar a fé do espectador pelos momentos frios e egoístas do homem. “Sem Amor” é nome absoluto do que há de melhor da misantropia na Sétima Arte. Demos tão errado assim?

49. Moonrise Kingdom (idem), 2012

Direção de Wes Anderson, EUA.
A apoteose do estilo imagético e textual de Anderson, "Moonrise Kingdom" segue um casal de adolescentes que descobre a arrebatadora sensação de se apaixonar pela primeira vez - para o desespero de seus pais. Uma fábula lúdica, única, colorida e provida tecnicamente de muito poder, é encantador acompanhar esse conto-de-fadas cinematográfico que enche os olhos e os ouvidos. Os adultos são meros peões nas mãos das crianças nessa que é uma das mais singelas histórias de amor que a arte já proporcionou, e isso é fascinante. Quem não quer morar nesse filme?

48. 14 Estações de Maria (Kreuzweg), 2014

Direção de Dietrich Brüggemann, Alemanha.

“14 Estações de Maria” é um filme corajoso e controverso que não critica a religião católica em si, mas o mau uso que as pessoas fazem dela: uma menina criada em uma casa extremamente fanática decide sucumbir para virar santa. Levamos um tapa na cara pela forma como lidamos e até aonde vamos em nome da fé, e o filme não se limita ao ser cru e pungente, divido em 14 sequências que mostram o calvário de sua protagonista. A melhor definição do real sentido do filme parte do seu próprio diretor: "O que vemos todo dia no mundo é a força do fundamentalismo virando horror. Em nome de Deus, praticam-se coisas ignóbeis, dignas do Diabo. Um mundo sem tolerância, sem compaixão. Nada pode ser mais cruel". Afinal, quantas Marias temos nesse exato momento morrendo no mundo?

47. Midsommar: o Mal Não Espera a Noite (Midsommar), 2019

Direção de Ari Aster, EUA.

"Midsommar" não é um fácil filme: sua robusta duração (2:45h na versão do diretor), desconcertantes sequências e inundação de simbolismos tornam a sessão uma trabalhosa digestão para a plateia quando uma garota em luto parte com o namorado para as festividades folclóricas da Suécia. Tão diferente, mas ao mesmo tempo tão parecido com "Hereditário" ao usar o luto como pontapé de seu clima, é injusto comparar as duas obras quando seus objetivos (e luzes!) são tão discrepantes - e, convenhamos, superar "Hereditário" seria utópico. "Midsommar" é narcotizante e hipnótico ao reforçar o terror antropológico e cultural, além de mais uma comprovação (dessa vez colorida e vibrante) de que Ari Aster é um mestre no que faz e um dos mais bizarros términos de relacionamento que o Cinema já fez. Teria sido mais fácil terminar por mensagem.

46. As Filhas de Abril (Las Hijas de Abril), 2017

Direção de Michel Franco, México.

Michel Franco é um dos melhores cineastas mexicanos, apesar de não carregar o mesmo prestígio de Alfonso Cuarón (de "Roma"), Guilhermo Del Toro (de "A Forma da Água") e Alejandro Iñárritu (de "O Regresso"); o motivo pode ser os temas áridos e o estilo seco que ele transporta suas discussões à tela. "As Filhas de Abril" tem uma menina de 17 anos que faz de tudo para que a mãe não descubra sua gravidez. Quando Abril tem a revelação, ela se mostra compreensiva e apta a ajudar no que puder, retrato de uma sororidade lindíssima entre aquelas mulheres. Pobre coitada da plateia que não tem ideia do abismo logo ali do lado, e filme nenhum foi capaz de me deixar tão boquiaberto quanto "As Filhas de Abril" em 2018. Falar mais que isso é entregar a história, todavia, essa é uma película que demonstra o próprio slogan: "o amor de uma mãe não conhece limites".

45. Três Anúncios Para um Crime (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri), 2017

Direção de Martin McDonagh, EUA.

A iconicidade de “Três Anúncios” precede sua qualidade: dos memes com os anúncios da fita até seu uso real em manifestações, o longa não é apenas uma obra-prima pela sua fortíssima realização, é o filme certo na hora certa. Nessa onda feminina de denúncias contra abusos, acompanhar a luta de uma mãe em busca de justiça pela morte da filha é a história que precisávamos ver. Um dos mais originais e bem escritos roteiros da década – que venceu o Globo de Ouro –, “Três Anúncios” deixa chover sarcasmo para apontar o dedo na cara da hipocrisia, do ódio e de como caminhamos sob uma estrutura aparentemente sem conserto. Com seus personagens escancaradamente conturbados e situações ácidas, temos em mãos uma produção atemporal - ou você acha que Frances McDormand, vencedora do Oscar pelo papel, virando caçadora de estuprador e colocando todos os homens ao redor em seus devidos lugares não será um clássico?

44. O Sacrifício do Cervo Sagrado (The Killing of a Sacred Deer), 2017

Direção de Yorgos Lanthimos, Inglaterra/Grécia.

Se você já conhece o cinema de Lanthimos, sabe o quão peculiar ele é. Famoso e aclamado por suas histórias absurdas – “Dente Canino”, “Alpes” e “O Lagosta” –, o diretor usa do estranho para metralhar críticas. "O Sacrifício do Cervo Sagrado" não visa tecer críticas sociais tão evidentes; a obra prefere compor uma família disfuncional que só percebe suas falhas quando pressionada diante de uma situação extrema: uma maldição que ameaça matar um a um. Caminhando sobre o gênero suspense, o longa é para deixar qualquer um zonzo pela construção do universo particular e imperdível do diretor e o quão fora do normal são seus personagens, inseridos em cenas involuntariamente cômicas pelo teor de bizarrice. Não há amor familiar maior do que o de "Cervo Sagrado", disso podemos ter certeza.

43. Boa Noite Mamãe (Ich Seh Ich Seh), 2014

Direção de Veronika Franz &  Severin Fiala, Áustria.

Dois irmãos gêmeos estão ansiosos pelo retorno da mãe, afastada de casa para se submeter à cirurgias plásticas. Todavia, quando ela retorna, os irmãos têm plena convicção de que aquela mulher é uma impostora. "Boa Noite Mamãe", um dos raríssimos exemplares a serem selecionados para o Oscar de "Melhor Filme Estrangeiro", é uma lenta epopeia de duas crianças tendo que lidar com uma dúvida esmagadora, potencializada pela escolha imagética brilhante da mãe, que emana uma áurea vilanesca. Brincando com expectativas e reações, esse é um clássico do terror contemporâneo pela excelência em suas imagens, atmosfera e realizações.

42. Eu Não Sou uma Bruxa (I Am Not A Witch), 2017

Direção de Rungano Nyoni, Zâmbia/Inglaterra.

Se “Os Iniciados” é a exposição de tradições masculinas africanas, “Eu Não Sou Uma Bruxa” é sobre ritos femininos no continente, mais precisamente a cultura da bruxaria. Obra fundamentalmente sobre mais uma exploração feminina sob gananciosas mãos do homem, dessa vez temos um contexto inédito no cinema, o que a faz ainda mais relevante. O plano de fundo da produção pode extrapolar as tradições africanas e se encaixar em diversos modos de tratamento rebaixador e degradante que a figura da mulher passa em diversas sociedades até presente momento. Documento cultural necessário e visualmente espetacular, "Eu Não Sou Uma Feiticeira" é realização cinematográfica que se apropria do status de "obra-prima".

41. A Casa Que Jack Construiu (The House That Jack Built), 2018

Direção de Lars Von Trier, Dinamarca/Suécia

O nome de Lars Von Tier está sempre de mãos dadas com a polêmica, já que o diretor não tem papas na língua e coloca no ecrã temas tabus e controversos. "A Casa Que Jack Construiu" não foge da regra: ao seguir 12 anos na vida de um serial-killer, Trier passa a faca sem piedade no império cultural e político de Donald Trump, expondo as brutalidades sociais afloradas pela vitória do presidente norte-americano - cada um dos segmentos são brutais em termos visuais e violentos como crítica. Mesmo sutilmente (foco nos bonés vermelhos), "Casa Que Jack" escancara a América que ensina crianças a amarem armas, que gera massacres em escolas e que vira as costas para não ajudar o próximo. Uma sátira não só ao "homus trumpus" como ao cinema de horror, Trier nos leva até ao Inferno a fim de mostrar que o conservadorismo virou uma praga.

40. Peles (Pieles), 2017

Direção de Eduardo Casanova, Espanha.

Um dos melhores macetes narrativos da Sétima Arte é a expansão dialética: quando a obra se apropria de determinado conceito ou ideia e exagera ao máximo para que possamos entender nossas simples vidas no meio desse conceito. É isso que o espanhol "Peles" faz. Nos colocando diante de um mundo onde deformidades físicas são desde nanismo até uma garota com um ânus no lugar da boca (sim), o filme é Cinema em sua plena função: hipérboles visuais compostas de forma histrionicamente perfeitas constroem uma obra reflexiva sobre a importância social dos nossos corpos, em contos brilhantes em forma e conteúdo. Nem os 50 tons de rosa conseguem esconder o lado obscuro do ser humano, que, muito antes de possuir o anseio de ser aceito, deve aceitar a si próprio. 

39. Flores (Loreak), 2014

Direção de Jon Garaño & Jose Mari Goenaga, Espanha.

A vida de uma pacata mulher sofre uma reviravolta quando ela recebe um buquê de flores anonimamente. Ela fica confusa, mas deixa para lá. Porém, na semana seguinte acontece o mesmo, e na seguinte, e na seguinte, o que começa a abalar sua vida. Quem estaria mandando aquelas flores? Usando como estopim um artefato que reflete toda sua delicadeza, as flores, o filme usa esse catalizador simplíssimo numa situação curiosa que mexe não só com a realidade dos personagens, mas as nossas também, envolvidos naquela teia de não-acasos criativa e sempre humana. É inviável não embarcar na jornada da protagonista em busca da solução desse mistério, e aprendemos que pessoas são o extremo oposto das flores: só sobrevivem se fechar suas feridas. "Flores" é lindíssimo.

38. Melancolia (Melancholia), 2011

Direção de Lars Von Trier, Dinamarca/Suécia.
O casamento de Justine deveria ser o dia mais feliz da sua vida, todavia, ela está longe de ser uma noiva radiante. A família tenta deixar tudo nos trilhos, só que um planeta está prestes a colidir com a Terra, e Justine está pronta para isso. "Melancolia", o segundo filme da "Trilogia da Depressão" de Trier, é um dos trabalhos visuais mais estonteantes já feitos e até que o ecrã escureça, até que o azul queime nossos olhos, até que a última lágrima de esperança evapore, o filme é uma ópera do horror e da destruição. "A Terra é má. Não precisamos sofrer por ela. Ninguém vai sentir sua falta". Devastador.

37. Amor (Amour), 2012

Direção de Michael Haneke, Áustria.
George e Anne são um casal de idosos na casa dos 80 anos que aproveita a aposentadoria. Um dia, Anne tem um derrame, o que a lançará em uma espiral de ruína física e mental. Cabe ao marido a decisão de como a situação será levada dali em diante. Vencedor da "Palma de Ouro" e do Oscar de "Melhor Filme Estrangeiro", "Amor" trás um título que soa ácido quando entramos em seu conteúdo. Carregado por uma atuação devastadora de Emmanuelle Riva, aqui a frase "aqueles que mais amamos são os que mais nos destroem" é comprovada da pior forma possível. Haneke orquestra uma sinfonia silenciosa de destruição, piedade, compaixão e amor. Muito amor.

36. O Farol (The Lighthouse), 2019

Dirigido por Robert Eggers, EUA.

Dois marinheiros são atirados em uma ilhota no meio de lugar nenhum com o único objetivo de cuidar do farol lá presente. O mais velho, atuando no local há muito tempo, parece fissurado pela luz do farol, impedindo que o novato se aproxime. Dono de um par de cenas instantaneamente icônicas, "O Farol" é um sucessor à altura de "A Bruxa" e a solidificação do cinema de Eggers como mitológico quando condena seus personagens - e o algoz é a própria natureza. O filme não tem problema em fotografar nossa existência como algo decrépito, fadado ao insucesso quando estamos tão preocupados em saciar nossos egoístas desejos. Somos de uma fragilidade tão aparente que, às vezes, a natureza nem precisa se esforçar para nos destruir. Nós mesmos nos encarregamos disto.

35. A Pele Que Habito (La Piel Que Habito), 2011

Direção de Pedro Almodóvar, Espanha.

O filme de terror do Almodóvar é uma das mais bizarras histórias de vinganças já filmadas quando o Dr. Frankenstein moderno retira o que há de mais humano de sua criação: a identidade. Resgatando aquele que seja o nome definitivo do seu cinema, Antonio Banderas, o domínio cênico e narrativo do diretor é estupendo quando ele mistura diversas linhas temporais que se encaixam no presente diegético, um experimento medonho onde o preço que se paga é alto demais. Praticamente todos os enquadramentos do genial trabalho fotográfico poderia ser pendurado numa moldura, nessa obra-prima do rancor e crueldade.

34. Relatos Selvagens (Relatos Salvajes), 2014

Direção de Damián Szifron, Argentina.

O real vencedor do Oscar de "Filme Estrangeiro" naquele ano, "Relatos Selvagens" traz seis contos ligados pelo conceito primitivo da humanidade e como nossas máscaras sociais são frágeis. Burlando língua, país, nação, continente e qualquer fronteira imaginária ou não, o filme é clássico instantâneo que mostra de forma escancaradamente histérica como vivemos numa sociedade à beira do caos, numa era que evoca o lado mais animalesco do homem no simples ato de atravessar uma rua. Esse guia prático de sobrevivência na selva de pedra que é a modernidade nos ensina que, na próxima vez que você virar a esquina, conte até 10 e respire profundamente. Vai que...

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Os 100 melhores filmes da década (Parte 1)

A atual década foi emblemática na minha vida: comecei em 2010 a me dedicar à Sétima Arte, então acompanhei de perto os rumos que a arte tomou no período. Foram centenas de filmes vistos e aqui listo (ou tento listar) meus 100 filmes favoritos da década. É claro, fazer uma lista definitiva beira a impossibilidade: segundo o Letterboxd, maior banco de dados de Cinema do mundo, foram quase 159 mil filmes lançados nos últimos 10 anos (quase o dobro da década anterior), ou seja, humanamente impossível assistir a todos.

Todos os anos, sempre busquei assistir aos principais filmes e, claro, buscar pérolas que passassem longe da grande rede de distribuição, afinal, aquele filme da Zâmbia que mal vê a luz do sol é capaz de ser muito melhor que um blockbuster hollywoodiano - e sempre afirmei que é papel da crítica dar luz a filmes que não possuem o dinheiro para chegar tão longe.

Os critérios de seleção da lista foram os seguintes: filmes com estreias em solo brasileiro de 2010 a 2019 - seja cinema, Netflix e afins -, ou seja, haverá nomes com a data de 2009 que só chegaram aqui no ano seguinte, assim como terá filmes de 2019 indo para a próxima década; ou que chegaram na internet sem data de lançamento prevista, caso contrário, seria impossível montar uma lista coerente, tendo em vista a dinâmica do mercado no nosso país. Importante pontuar que aqui há filmes que estreiam no comecinho de 2020, porém já entram aqui por ter distribuição limitada ainda em 2019. E não se preocupe, todos os textos são livres de spoilers para não estragar sua experiência. Aqui está a lista com os 100 no Letterboxd para você ver quantos já assistiu e já escolher o próximo - se já tiver visto todos, conte comigo para tudo.

100. Amores Imaginários (Les Amours Imaginaires), 2010

Direção de Xavier Dolan, Canadá.
Francis e Marie são amigos inseparáveis que veem suas vidas mudarem ao conhecerem Nicolas, um charmoso rapaz que acaba conquistando o coração de ambos, e o que era uma amizade passa a ser uma grande disputa. Jogando de maneira até hilária com o rumo de seus personagens, perdidos numa teia para conquistar o coração do crush, o longa trata a sexualidade de todos da forma mais natural possível, com pontadas de ironia ao ter um homem e uma mulher jogando fora a amizade graças ao mesmo amor. A sagacidade de "Amores Imaginários" é amplificado pelo apuro estético da fita, bem camp e exagerado, e não podemos esperar menos de Xavier Dolan.

99. Além das Montanhas (După Dealuri), 2012

Direção de Cristian Mungiu, Romênia.
"Além das Montanhas" leva a religião a um patamar além ao chocá-la com a vivência lésbica. Alina e Voichita se separam quando a última vai parar num monastério. Tencionando levar a mais-que-amiga de volta, Alina encontra uma mulher completamente diferente, submersa na opressiva realidade ortodoxa, que se volta rapidamente contra Alina: ela, por ser lésbica, é acusada de estar possuída pelo demônio. Mungiu mostra em meio a uma técnica primorosa até que ponto o fanatismo religioso pode deturpar a visão crítica do real e eleva a situação ao máximo, sem maquiagem, para revelar quais as suas consequências.

98. Manchester À Beira Mar (Manchester by the Sea), 2016

Direção de Kenneth Lonergan, EUA.
Vencedor do Oscar de "Melhor Roteiro Original" (e do controverso "Melhor Ator" para Casey Affleck) na edição de 2017, "Manchester À Beira Mar" retrata dores e lutos que poderiam render lágrimas e desesperos na tela, porém, contrariando o esperado, aqui não temos personagens tentando se reerguer, e sim aprendendo a viver com suas próprias mortes. Navegando num mar de ironia, humor negro e muito cinismo, a obra cria personagens e momentos inesquecíveis sob o tom certeiro para retratar assuntos tão complicados (a cena da delegacia é um tapa). "Manchester À Beira Mar", abrindo mão do melodrama, é um filme triste, melancólico, sensível e, por que não?, estranho.

97. Os Homens que Não Amavam as Mulheres (The Girl with the Dragon Tattoo), 2011

Direção de David Fincher, EUA.
A primeira adaptação hollywoodiana da brilhante série literária "Millennium" - o segundo filme, "A Garota na Teia de Aranha", a gente finge que não existiu -, "Os Homens que Não Amavam as Mulheres" tem uma das melhores protagonistas do cinema moderno: Lisbeth Salander, o ápice de Rooney Mara, que teve seu Oscar roubado. O filme tem a estrutura clichê dos filmes do gênero (o suspense gato-e-rato, o vilão revelando os segredos, etc.), mas Fincher nos entrega um suspense tão belo e bem feito que isso é superado pelo poder de sua direção. Com cenas bem fortes e personagens altamente inspirados e cativantes, essa é uma adaptação que faz jus ao livro.

96. Nasce Uma Estrela (A Star is Born), 2018

Direção de Bradley Cooper, EUA.
Todas as dúvidas ao redor de "Nasce Uma Estrela" são bombardeadas com argumentos audiovisuais do seu esplendor. Um dos raros exemplos de remakes que não são só realizados da maneira correta como superam seus originais, a obra deixa de ser mera viagem aos bastidores da indústria do entretenimento ou mais uma platônica história de amor para realizar um estudo necessário sobre a fragilidade da mente humana e nossa sucessão diária à ruína e ao sucesso. Se sua maior curiosidade é ver Lady Gaga sem maquiagem ou vestido de carne, prepare-se para ser arrebatado pela avalanche de talento que é "Nasce Uma Estela", um espetáculo na tela (e nos alto-falantes).

95. A Fita Branca (Das Weiße Band), 2009

Direção de Michael Haneke, Áustria.
Em uma vila, pouco tempo antes da Primeira Guerra Mundial, uma série de acidentes começam a assustar seus moradores. Ninguém sabe exatamente o porquê e muito menos quem é o responsável. De acordo com Haneke, um dos maiores diretores em atuação, seu filme explora as "raízes do mal, onde a religião e o terrorismo político se torna a mesma coisa", e esse é um resumo apurado. Belíssimo ao extremo, em todas as formas possíveis, inclusive nas suas várias nuances violentas e humilhantes que aparecem ao longo da sessão, "A Fita Branca" encrava a unha na carne na exposição de hierarquias e como abuso de poder é hereditário.

94. Eu, Daniel Blake (I, Daniel Blake), 2016

Direção de Ken Loach, Reino Unido.
A força do cinema perante o sistema é ferramenta de instauração de reflexão em "Eu, Daniel Blake" (I, Daniel Blake), vencedor da Palma de Ouro em Cannes. Quando Blake, um idoso solitário, sofre um ataque cardíaco, vai enfrentar um oceano de burocracia para receber a aposentadoria. Como é de se esperar para um idoso, ele entende nada do mundo digital e só piora a sua situação, beirando o desespero quando não possui um euro no bolso. O protagonista se torna porta-voz dos desmandos de Estados com sua pichação contra os bancos. A pobreza é sequela do capitalismo, e o assunto, que costumamos jogar para debaixo do tapete, não é aliviado: a pobreza força as pessoas a perdem o respeito próprio.

93. Infiltrado na Klan (BlacKkKlansman), 2018

Direção de Spike Lee, EUA.
Spike Lee é porta-voz do cinema afro-americano há décadas, e provavelmente ele encontrou seu nirvana em 2018. "Infiltrado na Klan" é fincado sobre uma louca história real de um policial negro que arma um plano para se infiltrar na Ku Klux Klan, a seita de supremacia branca que assola os EUA até hoje. A pertinência temporal do longa consegue assustar quando a KKK começa a mostrar suas garras em pleno séc. XXI, consequentemente, o tapa na cara de "Infiltrado na Klan" é forte. Sem o intuito de educar brancos (e sim de empoderar negros), o filme é um terror da realidade - a última cena é para aniquilar qualquer segurança da época em que vivemos.

92. O Grande Hotel Budapeste (The Grand Budapest Hotel), 2014

Direção de Wes Anderson, EUA/Alemanha.
Wes Anderson é um dos diretores com o maior senso estético da atualidade, e em seu oitavo filme, essa identidade é explorada ao máximo. "O Grande Hotel Budapeste" tem uma penca de atores estrelares, mas estes são apenas ornamentos cenográficos do todo, porque é o hotel o personagem principal. Fotografado da forma mais perfeita possível, o filme é violentamente lindo, com todos os quadros na mais perfeita harmonia de direção de arte, fotografia, figurino e tudo mais. "O Grande Hotel Budapeste" não é só uma história leve, divertida e fabulosa, é um gigante deleite para os olhos. Você vai terminar o filme querendo passar um dia naquele hotel.

91. Ilegítimos (Ilegitim), 2016

Direção de Adrian Sitaru, Romênia.
Um dos maiores tabus da nossa sociedade é o incesto, quando membros familiares desenvolvem um relacionamento amoroso/sexual. "Ilegítimos" força o espectador a questionar: por quê? Quando a família de Romeo e Sasha, irmãos legítimos, descobrem o romance dos dois, o mundo vai abaixo. Eles são tratados como animais, seres sujos que envergonham a família. O que eles se questionam: "Por que nosso amor agride?". Esse seco filme romeno não se interessa em deixar sua mensagem de fácil digestão, porém levanta pontos interessantes, mesmo quando não queríamos ouvir.

90. Lady Bird: A Hora de Voar (Lady Bird), 2017

Direção de Greta Gerwig, EUA.
Sendo a quinta mulher na história a ser indicada ao Oscar de “Melhor Direção”, Greta faz seu manifesto de amor à sua cidade e as dores e delícias de crescer. É inevitável a sensação de familiaridade com toda a trama, todavia, além de esperarmos histórias novas, o cinema é fonte de renovação constante das histórias já contadas. O que Gerwig faz é tão difícil quanto bolar algo inédito: transformar em interessante, genuíno e sincero um produto repetido, sem cair no artificialismo. "Lady Bird" pode não ser original, mas consegue ter força pela linda união das partes, numa obra aconchegante sobre seres humanos reais que estão constantemente à procura de si mesmos - árdua tarefa que todos nós enfrentamos.

89. Dois Dias, Uma Noite (Deux Jours, Une Nuit), 2014

Direção de Jean-Pierre Dardenne & Luc Dardenne, Bélgica.
Um filme protagonizado por Marion Cotillard é um filme que deve ser assistido. Em "Dois Dias, Uma Noite", o maior filme dessa década dos irmãos Dardenne, Cotillard é uma mãe de classe média que se vê engolida pelo desespero quando um dinheiro planejado não aparece - e ela deve convencer 14 outros trabalhadores a cederem um bônus, ou ela ficará sem nada. Nesse filme denúncia, a pressão do capitalismo é pulsante, humana e, infelizmente, real. Um jogo de interesses numa situação comum e bastante próxima de nossa realidade, onde a todo o momento nos colocamos nos lugares dos personagens e questionamos: até onde podemos ir para o bem-estar do outro?

88. Um Cadáver Para Sobreviver (Swiss Army Man), 2016

Se Emma Watson já está muito bem encaminhada após "Harry Potter", Daniel Radcliffe demorou para se encontrar e deixar um pouco de lado a imagem do bruxo mais famoso do mundo. Seu apogeu foi com "Um Cadáver Para Sobreviver". Não se enganem pelo título nacional e nem pela loucura da premissa: um homem prestes a cometer suicídio em uma ilha deserta encontra um cadáver que vira seu melhor amigo - e esperança de uma vida melhor. Sim. Radcliffe, que vive (risos) o cadáver, é válvula de discussões impagáveis e assustadoramente relevantes sobre como nos relacionamos com outras pessoas, sem, óbvio, deixar de anarquizar todas as regras do bom senso. Um prato não apetitoso para qualquer paladar (mas visualmente estonteante), "Um Cadáver Para Sobreviver" é inegavelmente o melhor filme de zumbi já feito. Sério.

87. Sob a Pele (Under The Skin), 2013

Direção de Jonathan Glazer, Reino Unido/EUA.
Uma alienígena sedutora está na Escócia caçando homens. É essa a premissa de "Sob a Pele". Só isso. Interpretada por Scarlett Johansson, o tal e.t. sai dirigindo pelas estradas do frio país e observa o comportamento dos homens, como eles vivem, amam, relacionam-se, morrem. Ela escolhe algum, o seduz rapidamente e ele está perdido. "Sob a Pele" não é um filme para todo mundo: apesar da simples e direta premissa, o filme é hermético, lento, estranho. Jonathan Glazer constrói um conto simbólico de difícil digestão e fácil reflexão, que evoca sentimentos desconcertantes em quem assiste.

86. Alpes (Alpeis), 2011

Direção de Yorgos Lanthimos, Grécia.
Um grupo se une para formar o Alpes, uma empresa de contratação para pessoas falecidas. Quando alguém morre, só ligar para a Alpes, que enviará alguém para "ser" a pessoa morta. Pois é. O cinema de Lanthimos atrai pela forma bizarra que explora a humanidade de seus personagens, e em "Alpes" temos mais uma coreografia fria baseada numa premissa que já prende pela estranheza, sendo conduzida de forma hermética, mas de beleza singular - não surpreendentemente, venceu o prêmio de "Melhor Roteiro" no Festival de Veneza, afinal, só Lanthimos para pensar em histórias como essa.

85. Aos Teus Olhos (idem), 2017

Direção de Carolina Jabor, Brasil.
"Aos Teus Olhos" é um acerto atual que se utiliza de tratamento quase documental em sua ficção e supera os rótulos de "bem feito", "boas atuações" ou "ótima trilha sonora" pra entrar na esfera do debate, função seminal da Sétima Arte quando estuda um boato levado à uma proporção inimaginável. No momento em que as opiniões das pessoas se tornam notícias e, consequentemente, verdades, estamos com legítimas armas em formato de smartphones, e só conseguiremos manter uma internet responsável quando aprendermos que o linchamento virtual e a externalização de ódios via mensagens instantâneas são a apoteose do mau uso das novas tecnologias. Tão próximo da gente, tão nosso dia a dia que assombra.

84. 45 Anos (45 Years), 2015

Direção de Andrew Haigh, Reino Unido.
"45 Anos" (2015) possui uma premissa instantaneamente cativante: perto de comemorar 45 anos de casamento, o marido de Kate recebe uma carta informando que o corpo de sua paixão da juventude foi encontrado. Ela então nota que, quanto mais próximo o aniversário está chegando, menos interessado o marido está. Rios de delicadeza conduzem essa obra sobre o relacionamento abalado por um vetor extraordinário, explorando com crueza poética a intimidade de um casal de idosos de maneira corajosa, arrancando performances belíssimas sob o peso e a dor do tempo: Charlotte Rampling é a verdadeira ganhadora do Oscar naquele ano.

83. Birdman: ou A Inesperada Virtude da Ignorância (Birdman: or The Unexpected Virtue of Ignorance), 2015

Direção de Alejandro González Iñárritu, EUA.
"Birdman" é uma comédia de humor negro que utiliza da metalinguagem da carreira de Michael Keaton (que interpretou o Batman na década de 90) para criar o mundo da película, mundo esse contado pelas lentes do megalomaníaco Alejandro González Iñárritu. Filmado num falso plano-sequência, como se não houvesse cortes, a câmera faz um verdadeiro balé entre o elenco que se conecta de forma assustadora, com Riggan sendo a Norma Desmond da era do Twitter. Riggan, assim como Norma e assim como Keaton, está à espera do seu close-up - e o filme chegou a ganhar quatro Oscars: "Melhor Roteiro Original", "Melhor Fotografia", "Melhor Direção" e "Melhor Filme".

82. Fé Corrompida (First Reformed), 2017

Direção de Paul Schrader, EUA.
O que começa parecendo uma obra que atira para todos os lados é justificada por uma sutileza avassaladora ao pôr na mesa temas complexos, extraídos por atuações potentes de Ethan Hawke e Amanda Seyfried. Engana-se quem acha que "Fé Corrompida" se trata de um filme religioso. A fé teísta é mero pontapé para catapultar a profundidade niilista e misantropa do roteiro de Schrader, em seu ápice criativo como cineasta. O filme mostra como somos criaturas que nos alimentamos, antes de mais nada, de razões, de motivos, de sentidos para levantarmos pela manhã e enfrentarmos o difícil ato que é viver, e estamos na eterna caça por algo ou alguém que nos garanta essas certezas.

81. Boi Neon (idem), 2015

Direção de Gabriel Mascaro, Brasil.
Enterrando-nos no complexo interior nordestino, transitamos de forma bastante sensível pela vida dos personagens que, por si só, são quebras absolutas de arquétipos. O protagonista é vaqueiro, mas seu sonho é ser estilista. O diretor/roteirista já remonta sentidos e foge do senso comum - o personagem é hétero. Quem dirige o caminhão da turma não é um dos peões, e sim Galega. E ainda temos uma garotinha fora da forma de bolo "princesa" e uma grávida com dois empregos. São sutilezas e pequenos detalhes que desconstroem um meio ainda tão precário em algo mais compatível com as demandas sociais da nossa atualidade, retratando de forma neon uma região sempre mostrada em preto & branco.

80. O Julgamento de Viviane Amsalem (Ha'mishpat shel Vivian Amsalem), 2014

Direção de Ronit Elkabetz & Shlomi Elkabetz, Israel.
Em plena Israel contemporânea, Viviane só deseja uma coisa: se separar do marido. Mas lá não existe divórcio civil, cabendo ao homem a voz final para a dissolução do casamento - e o de Viviane jamais aceitará. Assim começa a batalha de uma mulher que só deseja ser dona de si mesma. Confinando-nos dentro de um tribunal por 2h, "O Julgamento de Viviane Amsalem" é a metáfora perfeita para a situação claustrofóbica da protagonista, que deseja nada além da sua liberdade - e tudo sem cair em chavões fáceis como abusos e violências. É a luta pelo simples direito de ser. Uma perda para o Cinema internacional a morte precoce de Ronit Elkabetz (co-diretora e protagonista) em 2016.

79. Gênios do Mal (Chalard Games Goeng), 2017

Direção de Nattawut Poonpiriya, Tailândia.
Uma garota pobre, mas super inteligente, cria um sistema de pescas em testes que a deixa rica – e cada vez mais ambiciosa. Não se engane pelo título de “Gênios do Mal”: pode soar um "Sessão da Tarde", mas temos em mãos uma legítima produção que alia suspense e cinema de roubo como poucas vezes feitas ao elevar a atividade mais chata que existe – a realização de provas – em sequências para não sobrar uma unha nas mãos. O roteiro, que começa com uma simples prova mensal sendo fraudada, leva o trambique de seus protagonistas para níveis faraônicos que impressionam a plateia. Montagem brilhante, atuações certeiras de atores sem experiência e um roteiro com motivações no ponto. Não se empolgar e grudar na cadeira é impossível.

78. Corra! (Get Out), 2017

Direção de Jordan Peele, EUA.
O último terror a chegar no Oscar de "Melhor Filme", "Corra!" é um evento cultural e marco no gênero. Um jovem negro finalmente vai à casa dos pais da namorada branca. Há toda uma tensão velada, que parte do próprio protagonista, mas todos não param de falar o quanto estão de braços abertos para a diversidade do casal, o que, não surpreendentemente, é faxada para um plano maquiavélico. O longa não está preocupado em esconder seus clichês e óbvias referências; o que “Corra!” está preocupado é em compor momentos que elevam o seu gênero, carregado por cenas geniais e discussões sobre racismo postas de maneira lúdica, esperta e incisiva pelas lentes do diretor/roteirista Jordan Peele - que levou o Oscar de "Melhor Roteiro Original".

77. Pária (Pariah), 2011

Direção de Dee Rees, EUA.
De uma das maiores expoentes do cinema negro norte-americano - Dee Rees -, "Pária" coloca no palco Alike, uma garota de 17 anos que passa por uma batalha interna para se aceitar como lésbica. Chamado de "semi-autobiografia" por Rees (que também é lésbica), a obra é o "Moonlight" (2017) feminino: explora as dores específicas que uma pessoa negra sofre por ser gay. Alike ainda tem o peso de ser mulher e estar fincada numa família religiosa, mais um prego na cruz que deve carregar. Visual e socialmente estonteante, "Pária" é uma pérola do Cinema em todos os quesitos, mesmo percorrendo caminhos familiares. É a sinceridade da película que arrebata.

76. Dogman (idem), 2018

Direção de Matteo Garrone, Itália.
O escolhido para representar a Itália no Oscar 2019 de "Melhor Filme Estrangeiro" - e infelizmente fora da lista de indicados -, "Dogman" segue um acanhado dono de pet shop que, para não permitir que a filha viva na mesma precariedade, vende drogas - dar banho em cachorros não é o suficiente. Com a melhor atuação masculina do ano - Marcello Fonte, vencedor de "Melhor Ator" no Festival de Cannes -, "Dogman" é uma aula de como a mise-en-scène é fundamental para composição narrativa, e a fotografia soberba destaca o físico decrépito daquela Itália aos cacos, reflexo absoluto dos indivíduos com suas morais em ruínas.

75. O Lobo Atrás da Porta (idem), 2013

Direção de Fernando Coimbra, Brasil.
Devo contar a minha experiência ao assistir "O Lobo Atrás da Porta": não sabia que se tratava de um filme baseado em fatos, mais especialmente na "Fera da Penha", crime que também não conhecia. Tudo isso teve um impacto ainda maior na sessão pela maneira que a película amarra as pontas soltas do mistério, numa construção social fidedigna nessa obra-prima poderosíssima. Com algumas das cenas mais revoltantes que dos últimos tempos no cenário tupiniquim, essa ode ao cinema nacional trata de assuntos sérios como o aborto e o machismo e ainda traz Leandra Leal no melhor momento da carreira.

74. Capitão Fantástico (Captain Fantastic), 2016

Direção de Matt Ross, EUA.
O filmão indie-hipster-hyppe da década, "Capitão Fantástico" é mais um desmonte da família convencional. Ben Cash é pai de seis crianças; todos vivem no meio de uma floresta para que as crianças se mantenham distantes do capitalismo e do estilo americano de vida, aprendendo técnicas de sobrevivência e filosofias sem pudores. Todos têm que deixar seu santuário anti-consumismo quando a mãe morre. Filmado em tons coloridíssimos, "Capitão Fantástico" é uma excelente discussão do conceito de família e como nosso modo globalizado de vida pode atrapalhar o desenvolvimento não só de nós mesmos, mas do nosso planeta. A pegada hippie é exagerada em alguns momentos, porém os personagens carismáticos e as situação comicamente absurdas fazem deste uma pérola.

73. 24 Semanas (24 Wochen), 2016

Direção de Anne Zohra Berrached, Alemanha.
O cinema europeu, mostrando seus lados mais crus, aborda temas tabus de forma bastante consciente, e é isso que o alemão "24 Semanas" realiza. É certo que filmes sobre aborto, ou que tratam do assunto de forma secundária, já existem, todavia, "24 Semanas" consegue trazer o tema de forma mais pungente ao nos colocar dentro da relação de um casal que vê uma gravidez se tornar um problema. Extremamente desconfortável, necessário enquanto discussão, sem maquiagem e puramente feminino (ele é escrito e dirigido por uma mulher), a película traz os prós e contras do aborto e colocam o espectador na beira da cadeira. Se isso não for a maior função do Cinema, não sei o que é.

72. Tiranossauro (Tyrannosaur), 2011

Direção de Paddy Considine, Reino Unido.
Se você é um daqueles que ama um filme que te deixe fervendo de ódio, "Tiranossauro" é para você.  Uma acolhedora mulher (interpretada por Olivia Colman, sua melhor atuação até "A Favorita" nascer) tem a vida atormentada pelo violento marido. Ela se esforça para esconder a situação doméstica, um verdadeiro filme de terror que o filme vai empurrando o espectador. Um estudo fortíssimo da condição feminina perante o patriarcado, que coloca uma esposa em posição de posse. Enquanto, num quadro, o pingente da mulher brilha como o último apego de esperança naquela situação terrível, a aliança do marido grita com certa ironia revoltante no outro. Uma das melhores cenas do cinema dessa década.

71. A Garota de Fogo (Magical Girl), 2014

Direção de Carlos Vermut, Espanha.
Um professor desempregado tem uma filha de 12 anos com câncer terminal. A menina tem um único desejo: uma fantasia da personagem de "Magical Girl". O pai, para conseguir realizar o sonho da filha, entra em uma rede de mentiras e chantagens que vai mudar a vida de todo mundo. Sempre quando buscamos criatividade, pensamos em histórias fantásticas como se fossem o ápice da criação, porém é como em filmes como "A Garota de Fogo" que vemos como podemos ser criativos em potências descomunais ao costurar histórias realísticas e impactantes. Tome cuidado com o que você deseja.

70. Retrato de uma Jovem em Chamas (Portrait de la Jeune Fille en Feu), 2019

Direção de Céline Sciamma, França.
Por volta de 1770, em uma ilha na costa francesa, uma pintora é contratada para fazer o retrato de uma aristocrata com casamento marcado. A pintora deve realizar o serviço em segredo, já que a prometida se recusa a posar por não aceitar o casamento. A dinâmica entre as duas rapidamente muda para uma relação mais profunda quando elas se apaixonam. "Retrato de um Garota em Chamas" é mais um capítulo fabuloso na filmografia de Céline Sciamma e seu estudo de gênero: todos seus filmes possuem discussões bem diferentes e sempre certeiras sobre o papel da mulher dentro dos mais diferentes contextos, vide "Tomboy" e "Gatoras". Vencedor da "Queer Palm" (o "Oscar" dos filmes LGBTs), "Retrato" direciona sua arte para tela, tornando um filme uma verdadeira pintura poética no ecrã que condiciona aquele amor proibido de maneira ímpar. Todas as cenas podem ser penduradas em um museu.

69. O Regresso (The Revenant), 2015

Direção de Alejandro González Iñárritu, EUA.
O filme que encerrou o jejum de Leonardo DiCaprio e quebrou sua maldição com o Oscar, "O Regresso" é muito, muito mais que isso. Fotografado de maneira estupenda por Emmanuel Lubezki (que ganhou seu terceiro Oscar de "Melhor Fotografia" SEGUIDO), "O Regresso" é, antes de tudo, um filme contemplativo. É a pura batalha do homem X natureza, com um gatilho narrativo poderoso: a vingança. Se seu miolo - a difícil viagem de Hugh Glass enfrentando frio, fome e índios furiosos pela invasão de suas terras - é lento, mas extremidades são recheadas com cenas impiedosas e eletrizantes; o clímax e o ataque do urso, esta a cena mais famosa, são brilhantes. Nenhum texto é capaz de descrever com precisão a sessão de "O Regresso", pois este é uma obra que demanda sentimentos, extraídos tanto pelas belíssimas imagens quanto pela poderosa história. E a quebra da quarta-parede no final é gloriosa.

68. Chevalier (idem), 2015

Direção de Athina Rachel Tsangari, Grécia.
O novo cinema grego tem, nos últimos anos, caminhando contra a maré da crise econômica do país e entregado filmes excepcionais – e estranhos. Essa nova onda cinematográfica do país critica a sociedade através de argumentos bizarros, e “Chavelier” entra na dança. Confinando seis homens (ricos e brancos) num luxuoso iate, a diretora Athina mostra até onde os caras vão para mostrar que são o “melhor em tudo”. Num jogo absurdo de pontos em diversas categorias, que vão desde o toque dos celulares até a forma como fazem o café e quem tem o maior pênis, “Chavelier” é uma espirituosa (e divertidamente incômoda) odisseia sobre a fragilidade do falocentrismo. Coitado do macho branco.

67. Tangerinas (Mandariinid), 2013

Direção de Zaza Urushadze, Estônia/Geórgia.
O representante da Estônia no Oscar e Globo de Ouro conta a história de um senhorzinho simpático que um dia se vê num impasse: durante um confronto perto da sua casa, duas pessoas saem vivas, um do seu país e outro inimigo. Ele então passa a cuidar de ambos, que, ao acordarem, entrarão numa verdadeira guerra fria que abalará a tranquilidade da antes pacata vida do protagonista. Muito além da situação fora do comum, "Tangerinas" é um filme que nos coloca pra pensar sobre o conceito de patriotismo. Por que somos construídos para amarmos nosso país? Tudo não se trata de um pedaço de terra? As pessoas se matam em prol de uma linha imaginária que divide localidades, esquecendo que, antes de tudo, somos todos um povo só, mesmo com culturas diferentes. "Tangerinas" disseca esse conflito imaginário de forma extraordinária. Lindo, lindo, lindo.

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